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3 
 
UNIVERSIDAD 
OPARIN S.C. 
 
CLAVE DE INCOPORACIÓN UNAM                    
8794-31                                                  Plan 2014                                      
 
LOS MOTION GRAPHICS COMO HERRAMIENTA 
DE ENSEÑANZA DE LA ANIMACIÓN EN LA 
CARRERA DE DISEÑO Y COMUNICACIÓN VISUAL. 
 
 TESIS 
 
 PARA OBTENER EL TÍTULO DE: 
 
LICENCIADO EN:  
 
DISEÑO Y COMUNICACIÓN VISUAL  
 
PRESENTA 
ARMANDO SANCHEZ RIOS 
 
ASESORA  
MTRA. ALEJANDRA HERNÁNDEZ VALDOVINOS 
 
 
ECATEPEC DE MORELOS, EDO. MÉXICO,   
DICIEMBRE  2023 
 
 
4 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
  
 
 
 
 
  
    UNIVERSIDAD OPARIN S.C. 
CLAVE UNAM 8794 
OPARIN 
AUTORIZACIÓN DE IMPRESIÓN DE TESIS 
LIC. MANOLA GIRAL DE LOZANO 
DIRECTORA GENERAL DE INCORPORACIÓN 
Y REVALIDACIÓN DE ESTUDIOS 
UNAM 
Presente: 
Me permito informar a usted que el trabajo escrito: 
“Los Motion Graphics como herramienta de enseñanza de la animación 
en la carrera de Diseño y Comunicación Visual” 
Elaborado por: 
Sanchez Rios Armando 419536909 
Apellido Paterno Apellido Materno Nombre Núm. de cuenta 
Alumno de la carrera de: Diseño y Comunicación Visual 
Reúne los requisitos académicos para su impresión. 
Ecatepec de Morelos, Edo. de México, marzo 2024 
  
Urirenaidad 
OPARIN.,.$ 
Los ll corr. 5 seño y CoMcAcIÓN von £ a ROO CRE 23 
lejandra Hernández Valdovino "20 Sequera. Marian Itzel Rojas Venancio 
Nombre y firma del Asesor lá Nombre y firma del Director 
de la Tesis Institución Técnico 
  
 
5 
 
 
6 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
7 
 
Introducción. 11 
Capítulo I. Planteamiento de problema 14 
1.1 Planteamiento del problema 14 
1.2 Objetivo general 17 
1.3 Objetivos específicos 17 
1.4 Justificación 17 
Capitulo II. Marco teórico 21 
2.1 La Comunicación 21 
2.2 La comunicación Visual 24 
2.3 Elementos de la Comunicación Visual 26 
2.4 Función del mensaje 28 
2.4.1 Emotiva 29 
2.4.2 Fática 29 
2.4.3 Referencial 30 
2.4.4 Exhortativa 30 
2.4.5 Estética 31 
2.5 Definición de animación 32 
2.6 Antecedentes de la animación 34 
2.6.1 Inicios 1895 – 1910 34 
2.6.2 Primeros personajes 1911 - 1920 45 
2.6.3 El inicio del imperio “Disney” 53 
2.6.4 La TV inicios y cambios 40 ´s - 60 ´s 59 
8 
 
2.6.5 Experimentación de la Animación 60 ´s 80 ´s
 71 
2.6.6 Avances de la Animación, 90 ´s y nuevo 
milenio 80 
2.7 La construcción de la Animación 87 
2.7.1 Los 12 principios de animación 88 
2.8 Medios y usos de la Animación 114 
2.8.1 Tipos de animación 115 
Animación 2D. 115 
Proceso y construcción del 2D. 118 
Animación 3D. 136 
Proceso y construcción del 3D. 137 
2.9.1 El cambio en la industria 147 
2.10 Definición de los Motion Graphics 151 
2.11 Bases de Motion Graphics 154 
2.11.1 Movimiento 155 
2.11.2 Posición 155 
2.11.3 Escala 156 
2.11.4 Forma 157 
2.11.5 Tiempo 158 
2.12 ¿Para qué sirven los motion graphics? 160 
2.12.1 Formatos más usados 161 
9 
 
2.13 ¿Cuál es la diferencia entre animación y motion 
graphics? 164 
2.14 Otros tipos de animación 176 
2.14.1 Stop Motion 177 
2.14.2 Abstracta 180 
2.14.3.3Rotoscopia 182 
2.15 Medios que ocupa la animación y los motion 
graphics 184 
2.15.1 Películas 187 
2.15.2 Caricaturas y series animadas 193 
2.15.3 Series 198 
2.15.4 Comerciales 201 
2.15.5 Televisión 202 
Cortinillas. 203 
Cintillos. 205 
Identificador. 207 
Capítulo III. Marco metodológico 209 
3.1 Hipótesis 209 
3.2 Metodología 211 
Capítulo IV. Episodios 217 
4.1 Preproducción 218 
4.1.1 Personajes 220 
Henry. 221 
10 
 
Luka. 223 
4.1.2 Model sheet 228 
4.1.3 Elementos 232 
4.1.4 Tipografía 233 
4.1.5 Paleta de colores 237 
4.2 Episodio 1 240 
4.3 Episodio 2 242 
4.4 Episodio 3 243 
4.5 Episodio 4 245 
4.6 Episodio 5 246 
4.7 Episodio 6 247 
4.8 Episodio 7 249 
Conclusiones 255 
Referencias 258 
 
 
 
 
11 
 
Introducción. 
En el presente trabajo se plasmará la información 
que servirá en el sustento de la investigación para entender 
y conocer la forma en la que se puede usar los motion 
graphics para enseñar la animación. 
La investigación presentada se relaciona desde los 
inicios de la animación, así como de los gráficos en 
movimiento, que es la parte de interés en la investigación, 
los diferentes procesos, para desarrollar las habilidades 
que se plantean en un inicio para un ámbito laboral. 
En el primer capítulo se verá el planteamiento del 
problema, que fue ese error o fallos que encontré y del 
cual quiero enfocarme para generar una herramienta de 
estudio para los alumnos, también se verán los objetivos 
que busca cumplir este trabajo de investigación. 
12 
 
Para el capítulo dos se verá el marco teórico que 
es toda la información recopilada para poder generar el 
proyecto, en este caso va desde las definiciones de 
animación y de motion graphics, la historia de la 
animación con sus puntos representativos y la reglas o los 
principios que tiene tanto la animación como el motion 
graphics para ser buena o de mejor calidad, se 
mencionaran los principales usos que tiene y donde es más 
explotada cada técnica así como también los distintos 
tipos de animación que existen para tener un amplio 
conocimiento de cómo se puede ocupar, desde televisión 
o cine hasta las nuevas redes sociales. 
En el tercer capítulo solo se mencionará el marco 
metodológico con la hipótesis a cumplir con el objetivo y 
el tipo de metodología que se usó a lo largo de la 
investigación y que será el que se use para el proyecto. 
13 
 
En el capítulo cuatro ya con el conocimiento de lo 
mostrado en los capítulos anteriores, se hará la propuesta 
de lo que se busca hacer en la investigación, el método de 
enseñanza que se plantea, iniciando con la animación y 
los enfoques de los motion graphics, así como la ayuda 
que se logrará posteriormente en el ámbito laboral.  
Para ello es necesario entender y conocer la 
historia de los motion graphics, con el inicio de la 
animación, así como también la comunicación visual, su 
definición y los objetivos que buscan tanto en sus inicios 
como actualmente con el aumento de tecnologías y formas 
de aprendizaje. 
14 
 
Capítulo I. Planteamiento de problema 
 1.1 Planteamiento del problema 
En el apartado siguiente se mostrará el 
planteamiento del problema que se busca resolver a lo 
largo de la investigación y ofrecer nueva herramienta a 
los estudiantes de diseño. 
Actualmente la enseñanza en la carrera de diseño 
principalmente la materia de animación es muy escasa. 
ya que no se enseña de una forma que pueda ayudar a los 
estudiantes a comprenderla y a ver como puedan 
ocuparla en un enfoque laboral. 
Dependiendo cada profesor, se enfocará en un 
aspecto que para él y sus conocimientos sienta que deba 
de enseñarse la animación, ya sea solo en un apartado 
como el storyboard y otros que buscan la parte de lograr 
comunicar, independientemente del medio que se ocupe, 
15 
 
con esto, todos los alumnos y cada generación salen 
conociendo la animación desde un aspecto diferente o que 
puede ser poco funcional al momento de un trabajo. 
Para poder eliminar esto o ayudar a que todos 
terminen la carrera teniendo un conocimiento similar, la 
solución es enseñarla desde un tipo de animación que se 
enfoque y que pueda verse día con día en todo lo que 
consumimos de hipermedia. 
Un software que cumple con las características es 
el motion graphics ya que es una animación que se enfoca 
en mostrar los elementos con el fin de emocionar al 
espectador y en caso de vender, generar esa necesidad de 
consumir algún producto, los motion graphics se pueden 
ver desde comerciales o pequeños anuncios en redes y 
esto para diseñadores y comunicadores es lo que necesitan 
conocer. 
16 
 
En mi tiempo de formación académica además de 
una pandemia la animación se enseñaba con un aspecto 
más artístico, la creación de cortometrajes, con aspectos 
que van desde creación de personajes, guion, storyboard, 
layout, etc. Y muy poco de lo que es animar con sus reglas 
los principios que hacen una buena animación. De ahí yo 
tuve que conocer todo esto por mi cuenta, con eso 
descubrí el motion graphics, con mucha más fluidez y que 
si bien contaba una historia, esta era de pocos minutos y 
enfocada principalmente en la animación.  
Con esto me di cuenta de que esta era la forma con 
la que se debe enseñar, conocer lo que hace la animación 
y enfocarla es con usos que los diseñadores y los 
animadores puedan entender y usar para generar nuevas 
propuestas. 
17 
 
1.2 Objetivo general 
• Diseñar un recurso didáctico para la 
enseñanza de la animación en la carrera de diseño 
y comunicación visual, enfocado en los motion 
graphics. 
1.3 Objetivos específicos 
• Analizar el uso de las animaciones 
y motion graphics en el mundo audiovisual. 
• Proponer una serie de videos como 
herramienta de la carrera de diseño y 
comunicación visual, una forma de enseñanza de 
la animación enfocada al Motion Graphics. 
1.4 Justificación 
“La animación no es el arte de dibujos que se 
mueven, sino el arte de movimientos que son dibujados. 
Lo que sucede entre cada cuadro es más importante que lo 
que existe en cada cuadro. Por esto la animación es el arte 
18 
 
de manipular las brechas invisibles que existen entre los 
cuadros” (McLaren, s.f.) 
La forma en la que se crea y se enseña la 
animación es siempre del lado del diseño de personajes 
siempre se busca hacer una caricatura o un cortometraje 
en donde apliques los principios de animación, asimismo 
se enseña esa parte con personajes objetos animados que 
pueden ser fácilmente parte de una caricatura. 
Actualmente existen varios tipos de animación que 
salta desde la tradicional, la animación 3d o la animación 
hecha por computadoras, pero dentro de ellas existe una 
conocida como el motion graphics que se basa 
básicamente en la idea de animar objetos o textos para 
darle dinamismo a lo que se muestra, cambiando escalas 
o con la deformación de líquidos para crearse en otro 
objeto o incluso en un personaje. 
19 
 
Estos sirven principalmente para hacer las 
cortinillas de algún programa de televisión, para 
comerciales en lo que muestran un producto o simple 
forma de presentar algo de manera original con elementos 
extras que dan contexto a lo que se forma. 
Como se mencionó al principio, se enseña la 
animación desde el lado de diseño de personajes y esto 
puede funcionar si la carrera en la que entra el alumno es 
para enfocarse completamente en la animación, pero para 
los alumnos que estudian diseño gráfico o diseño y 
comunicación visual puede no ser la mejor manera de 
enseñar la animación ya que nos enfocamos en distintos 
trabajos y puede ser enseñada de mejor manera enfocada 
más en el motion graphics. 
Y eso es lo que busca esta investigación, dar una 
nueva herramienta de estudio de la animación enfocada 
20 
 
completamente de los motion graphics, que si se vea la 
historia de la animación ya que es un panorama que como 
diseñador se debe conocer, pero que la enseñanza de los 
principios de la animación este más enfocada de 
elementos ocupados para los motion graphics usados para 
cortinillas o para redes, que tenga ese mayor impacto, ya 
que el ser enseñado desde ese punto puede funcionar para 
fusionarlo con la edición de videos, audios e incluso la 
forma de poder trabajar en conjunto con otras materias de 
la parte hipermedia. 
Además, pensando en la salida de la carrera y 
entrando al ámbito laboral tendrá mayor impacto y una 
mejor forma de trabajar la parte audiovisual, con mayor 
alcance por la parte de animación y con mayor creatividad 
porque cada animación y pequeño trabajo tendrá un 
mayor compromiso. 
21 
 
Capitulo II. Marco teórico 
La comunicación visual como principio de la 
carrera tiene muchas ramas en la que los estudiantes 
pueden enfocarse, pero para esta investigación nos 
centraremos en la comunicación visual dentro de las 
animaciones y los Motion Graphics, lo que lo forma y 
como puede entenderse de mejor manera. 
2.1 La Comunicación 
Como primera variable entra la comunicación 
visual ya que es la principal en conocerse en la carrera de 
diseño principalmente en aquella que se enfoca en 
comunicar de una manera visual. 
Una de las partes importantes dentro de la 
investigación que debe de conocerse y estudiarse es la 
comunicación visual, primero desde las partes separadas, 
22 
 
como también en conjunto para entender el significado y 
propósito de ello. 
La comunicación se entiende como la actividad de 
dar un mensaje lo que ya entendemos como un emisor y 
un receptor, pero dentro de esta acción existen más formas 
de cómo lo percibe la gente. 
Para María Yerena, (2000) comunicar es "llegar a 
compartir algo de nosotros mismos''. Es una cualidad 
racional y emocional específica del hombre que surge de 
la necesidad de ponerse en contacto con los demás, 
intercambiando ideas que adquieren sentido o 
significación de acuerdo con experiencias previas 
comunes". (p. 4) 
De esta forma busca que la comunicación tenga un 
sentido, una forma en la que el ser humano quiere dar un 
23 
 
cambio de ideas a través de situaciones que ha vivido y 
que pueden ayudar a más personas.  
Según Chiavenato, (2006) la comunicación es "el 
intercambio de información entre personas. Significa 
volver común un mensaje o una información. Constituye 
uno de los procesos fundamentales de la experiencia 
humana y la organización social" (p. 110) 
Para este autor el comunicar es igual el 
intercambio de información puede que como para María 
del Socorro su idea de comunicar es por experiencias solo 
que él lo ve como un proceso fundamental, lo que tiene 
sentido, busca que sea algo más informativo que el 
comunicar por simple ocio lo vemos desde los inicios de 
la humanidad y donde con gritos y sonidos guturales 
daban una idea de lo que querían decir. 
24 
 
2.2 La comunicación Visual 
Con eso se desprende la otra parte de la definición, 
la parte visual, retomando a los primeros humanos que ya 
buscaban más sedentarismo y con ello dejar huella para el 
resto de civilizaciones venideras, el simple hecho de 
comunicar no bastaba ya que no queda un registro 
tangible, por lo que se busca lo visual, en un inicio con las 
pinturas rupestres, como las famosas cuevas de “Lascaux” 
en Francia, donde se puede ver la imagen de animales, su 
forma de cazar y que a día de hoy es un referente de la 
parte visual así como de la comunicación que tenían en 
ese momento.  
Si lo vemos por su definición habla sobre el 
sentido de la vista ya que es por este canal que llega el 
mensaje ya sea la imagen el texto o los colores, pero todo 
ello pasa primero por la vista la parte motriz del cerebro 
25 
 
que se encarga de analizarlo y comprenderlo que es que 
ayuda a que entendamos lo que nos quieren comunicar.  
Comprendiendo estas dos definiciones queda claro 
lo que quiere decir la comunicación visual, siendo esta el 
proceso de transmisión y recepción de información a 
través de recursos visuales, como cada proceso en el 
diseño que puede tener varias formas de llegar a un 
resultado, la comunicación visual se puede apoyar por los 
otros sentidos como lo es el sonido para reforzar el 
mensaje. 
La comunicación visual es una práctica que se 
encarga de utilizar los elementos visuales para expresar 
un mensaje, inspirar cambios o evocar emociones. Una 
parte de esto incluye el diseño de comunicación, que 
consiste en escribir un mensaje que eduque, motive y 
llame la atención. Y otra parte que es el diseño gráfico, el 
26 
 
cual utiliza los principios del diseño para comunicar ese 
mensaje de forma clara y llamativa. 
2.3 Elementos de la Comunicación Visual 
Dentro de la comunicación visual se incluyen 
diferentes elementos que principalmente se enfocan en 
una manera bidimensional, estos elementos ayudan a 
entender lo que se busca comunicar desde la parte más 
simple como las diferentes formas en la que se puede 
comunicar. 
El principal es el punto siendo esta la unidad más 
simple ya que el punto no es otra cosa más que eso un 
punto “.” que ayuda a crear los otros elementos, el 
siguiente es la línea, esta se puede definir como el punto 
en movimiento o la sucesión de puntos, con eso pasamos 
a la parte de la dimensión que es el volumen de los 
elementos, dando profundidad, teniendo estos puntos 
27 
 
podemos llegar al contorno que esté en la línea que define 
este puede ser omitido dependiendo de la forma y el como 
quiera ser representado. 
El elemento si puede ser más limpio se omite el 
contorno, los últimos dos elementos pueden variar 
dependiendo de lo que se quiera comunicar, sin embargo, 
la textura y los colores son fundamentales en toda imagen 
visual ya que transmiten diferentes sensaciones y 
emociones. 
La comunicación visual es más que importante y 
hasta predominante en nuestros tiempos. Constantemente 
nos encontramos expuestos a ella, desde que miramos 
nuestro teléfono móvil hasta cuando conducimos y 
tenemos que respetar las señales de tránsito. Incluso, 
cuando vamos al cine, miramos televisión o nos topamos 
con un aviso publicitario por la calle.  
28 
 
Básicamente, condicionan nuestra vida, guían 
nuestra conducta, y nos permiten vincularnos con el resto 
de la sociedad. Es por todo ello que resulta clave saber 
leer los mensajes que se transmiten de manera visual, así 
como también saber producirlos.  
2.4 Función del mensaje 
También se debe recordar que para que estos 
mensajes surtan efecto, el emisor debe recurrir a signos, 
símbolos y cualquier otro elemento sobre los cuales exista 
un amplio consenso en cuanto a su significado. De lo 
contrario, se generará ruido y el mensaje se puede 
interpretar de forma errónea. 
De acuerdo a la función que cumpla el mensaje, 
este debe igual tener un tipo de comunicación. 
29 
 
2.4.1 Emotiva 
También conocida como expresiva, 
principalmente se centra en el emisor, la comunicación 
busca transmitir una emoción. Aparece en los mensajes en 
los que se enmarca más la subjetividad, por lo tanto, el 
mensaje habla más de sentimientos, emociones, estados 
de ánimo, etc.  
2.4.2 Fática 
Conocida como relacional, lo que busca su emisor 
es llamar la atención, es un canal de comunicación entre 
emisor y receptor. Su propósito es prolongar, interrumpir 
o finalizar una conversación o comprobar si existe algún 
tipo de contenido informativo es nulo o escaso. 
La finalidad de la función fática no es 
principalmente informar, sino facilitar el contacto social 
para poder transmitir, dar y optimizar posteriormente 
mensajes de mayor contenido. Constituyen esta función 
30 
 
todas las unidades que utilizamos para iniciar, mantener o 
finalizar la conversación. Ejemplos: Por supuesto, claro, 
escucho, naturalmente, entiendo, cómo no, OK, perfecto, 
bien, ya, de acuerdo, etc. Está presente en los mensajes 
que sirven para garantizar la interrupción.  
2.4.3 Referencial 
Informativa, o representativa, Son aquellos 
mensajes que apuntan a informar al receptor. Se centra en 
el contenido del mensaje y la situación, Aparece en 
aquellos mensajes en los que se informa de algo de 
manera objetiva. Por ejemplo: Son las tres de la tarde, el 
día está a 5 grados, etc. 
2.4.4 Exhortativa 
La función de esta comunicación, a la que también 
se la conoce bajo el nombre de apelativa, se centra en el 
objetivo de condicionar o alterar la conducta del receptor. 
Está presente en aquellos mensajes en los que el emisor 
31 
 
tiene como receptor. Esta función se manifiesta, sobre 
todo, en oraciones imperativas, exhortativas e 
interrogativas. 
2.4.5 Estética 
La función del mensaje es buscar belleza con un 
objetivo netamente artístico o estético. Aquí se puede 
ubicar, por ejemplo, una pintura o una película. Esta 
función también se denomina poética. 
Existen otros tipos de comunicación, estos 
dependen según el autor que hable de ellos, pero 
principalmente estos 5 ayudan de manera más clara. 
Para Karl Bühler solo pueden existir 3 funciones, 
la representativa o simbólica donde se emplean símbolos 
para comunicar al ser humano, la otra es la expresiva 
depende del factor de comunicación del emisor, mostrar 
sentimientos y la última la apelativa, funciona a partir del 
32 
 
receptor con mensaje lleno de ordenar sugerencias o 
preguntas. 
Con esto se reduce la forma en la que el mensaje 
puede llegar, pero sin dejar de lado lo principal en el canal 
de comunicación, emisor receptor y su mensaje que sigue 
siendo la parte importante en comunicar. 
2.5 Definición de animación 
La animación, de forma etimológica, viene del 
latín animatio que de igual forma viene de anima, que 
significa soplo o brisa, además anima significa aliento o 
principio vital, esto principalmente por las escrituras 
según el Génesis que pueden significar el alma, pero, esto 
es solo un significado etimológico, si queremos definirlo 
más enfocado al tema de estudio. 
Se puede decir que la animación es el registro de 
una acción, pero la misma está asentada en fases 
33 
 
individuales e imaginada de una forma tal que si se 
reproduce este registro a una velocidad determinada y 
constante, siempre y cuando esta velocidad exceda la 
persistencia de la imagen en el ojo, se produce la ilusión 
de movimiento en el observador (Deitch, 2001). 
De acuerdo con lo citado podemos entender lo que 
es la animación tradicional de manera más práctica, ya 
que busca definirlo en el proceso que se hace para crear la 
ilusión de movimiento. 
Del mismo modo afirma que la animación es “la 
creación de una ilusión de movimiento a través de la unión 
de una secuencia de imágenes inmóviles”. (Taylor, 2000, 
p.7). Que es similar a lo mencionado por Gene, pero, 
colocando sencillez al proceso, dando más significado al 
hecho de lo que produce la animación. 
34 
 
2.6 Antecedentes de la animación 
Como primer punto para inicial la investigación al 
tema que nos interesa debemos verlo desde un inicio, en 
este caso con el inicio de la animación o la historia que ha 
pasado y los momentos de mayor relevancia para lo que 
conocemos hoy en día como animación y los diferentes 
estilos que esta tiene. 
2.6.1 Inicios 1895 – 1910 
 
Para vera (2019), la historia de la animación 
comenzó con muchos inventos anteriores muchos 
iniciando con juguetes haciendo ilusiones ópticas y demás 
juegos que con la superposición de imágenes de los que 
destaca el zootropo, pero fuera de los juguetes también 
estaban los inicios del cine y para la animación iniciamos 
en diciembre de 1895 en el salón India en Grand Café. 
35 
 
El director del teatro Houdin M. Lallemand, 
George Méliès, presenció un invento que cambiaría su 
forma de hacer teatro y aunque los mismos hermanos 
Lumiere no confiaban tanto en la duración del invento, 
Méliès consiguió crear un aparato óptico que asemejaba 
al de los Lumiere, este creado por William Paul, con el 
que comenzó a realizar sus primeros films. 
Figura 1 
Cinematógrafo en Rumanía, los primeros carteles publicitarios en 
materia de cine. 
 
Nota. Este cartel es de los primeros registros del cine de los 
hermanos Lumiere. Fuente: https://lc.cx/UbNT1o  
36 
 
Durante una filmación, accidentalmente la 
película se detuvo un instante y luego continúo haciéndolo 
normalmente. Al proyectar la cinta notó la transformación 
de un autobús, en una carroza fúnebre, es así como Méliès 
comienza a convertirse en el especialista del trucaje y hoy 
en día lo nombramos como el padre de los efectos 
especiales en cine. 
En 1902, Méliès presenta “Viaje a la luna”, un film 
cubierto de efectos visuales, donde el creador paraba la 
cámara, cambiaba el objeto retratado y corría de nuevo a 
ponerse detrás el objetivo para seguir filmando y 
conseguir algún efecto de metamorfosis, desaparición o 
animación de algún objeto inanimado (como la conocida 
estrella). y no lo hizo solo una vez, sino una enésima 
cantidad de veces, por lo que nosotros, tomamos a éste 
gran hombre, como parte importante de la creación en la 
37 
 
técnica Stop Motion (fotograma a fotograma), que más 
adelante desarrollarían otros realizadores. (Vera, 2019) 
Figura 2 
Poster de la película “Viaje a la luna con la icónica imagen 
emblemática de la película. 
 
Nota. Méliès al ser el primero en experimentar con técnicas, 
abrió camino a otros cineastas. Fuente: 
http://legalmentegratis.com/el-viaje-la-luna/ 
38 
 
 Durante estos años, los realizadores guardan 
celosamente, como en cajas fuertes, sus trucos, hasta 
llegando al punto, que en Norteamérica analizaron los 
films de Méliès cuadro a cuadro para descubrir el trucaje.  
Según lo investigado hubo un realizador español, 
Segundo de Chomon, que en 1905 Presentó “El hotel 
eléctrico” donde Un matrimonio llega a un hotel donde 
todo funciona automáticamente: la maleta se abre sola 
sobre la cama, despliega todo su contenido y luego este se 
introduce en los cajones; el pelo de la mujer es soltado y 
peinado por sí solo y un cepillo lustra las botas del marido. 
(Vera, 2019) 
39 
 
Los especialistas franceses en trucos vieron 
muchísimas veces la película, buscando los hilos 
invisibles que manejan los elementos. Finalmente se 
dieron cuenta que en la película se usaba el cuadro a 
cuadro o sea la técnica Stop motion.  
Figura 3 
Poster de la película “El hotel eléctrico". 
 
Nota. un año antes Stuart blackton realizó algo parecido llamado 
el hotel encantado pero el francés tuvo mejor aceptación y éxito. 
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/El_hotel_eléctrico 
40 
 
Según la historia oficial, Stuart Blackton, es 
considerado el primer realizador de un film animado 
llamado, Fases humorísticas de caras chistosas. El film 
fue filmado cuadro a cuadro, dibujado con tizas sobre un 
tablero y necesitó cerca de 3000 dibujos. Esta es la 
primera vez en la historia de la animación donde una 
caricatura logra hacer una mueca de disgusto. 
Figura 4 
Fotograma de la película “Humorous Phases of Funny Faces” 
(1906)  
 
Nota. Basado en una popular obra de vodevil y dirigida por J. 
Stuart Blackton. Fuente: https://www.imdb.com/title/tt0000554/ 
41 
 
En 1907, rueda La casa encantada, en el que la 
fotografía fija se usó repetidamente para dar vida a objetos 
inanimados. El filme se hizo enormemente popular y su 
técnica se divulgó entre cineastas de todo el mundo, que 
empezaron a experimentar con historias de títeres, 
marionetas, y maquetas. Emile Cohl, que al ver la casa 
encantada de Blackton imaginó nuevas posibilidades para 
aquel tipo de cine. (Vera, 2019) 
Figura 5 
Fotograma del filme de la casa encantada.  
 
Nota. Obtuvo un rotundo éxito comercial gracias a este 
procedimiento.  
Fuente: http://www.ahmagazine.es/un-corto-la-casa-
encantada/ 
42 
 
Con la misma técnica del registro fotograma a 
fotograma, Cohl realizó Fantasmagoría en 1908, tenía 36 
metros de longitud y cuya proyección solo duraba 1 
minuto y 57 segundos, el film, llevó a la animación al 
campo del grafismo, la fantasía y de los mundos oníricos. 
Cohl, no animaba objetos sino caracteres autónomos con 
personalidad propia, de ahí que se le considera el 
precursor específico de los Cartoons.  
Su aportación más importante es que planteó los 
principios de la animación básica: desarrollando una 
historia simple, con personajes identificables a la 
sociedad, con el mínimo de recursos para el arte y 
generando con el obturador el fenómeno de movimiento 
 
43 
 
aparente. Las primeras imágenes que utilizó Cohl tenían 
un alto grado de sencillez, o sea solo tinta y papel. (Vera, 
2019) 
 
 
Figura 6 
Fotograma de “Fantasmagorie" (1908). 
 
Nota. Está considerada una obra pionera del cine de animación.  
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Fantasmagorie 
44 
 
En 1910 ya se hacían obras utilizando diferentes 
sustratos y elementos, utilizando como técnicas de 
animación cuadro a cuadro, Ladislaw Starewich fue uno 
de los contemporáneos que más experimentó, presentando 
documentales en donde los insectos peleaban por una 
cuestión de honor. Periodistas londinenses aseguraban 
que los científicos entrenaban a sus protagonistas. Ya más 
o menos definida una forma de trabajo con dibujos o sea 
dibujos animados. 
Figura 7 
Ladislaw Starewicz, con una de sus marionetas de insectos. 
 
Nota. exponente del stop motion en los primeros años del cine. 
Fuente: https://culture.pl/en/artist/wladyslaw-starewicz 
45 
 
2.6.2 Primeros personajes 1911 - 1920  
Anima Little Nemo en 1911, un corto de casi tres 
minutos con la primera propuesta de perspectiva y 
movimiento de dibujos animados. Se aclara que todavía 
no existía sonido en las películas, así que los diálogos se 
hacían mediante “Globitos” como en las historietas. Con 
este cortometraje se inician a ver principios en la 
animación buscando hacerla más llamativa y con mayor 
dinamismo. 
Figura 8 
Portada e inicio de “Little Nemo” 
 
Nota. Cortometraje cinematográfico mudo, mezcla de imágen 
real y animación. Fuente: https://lc.cx/n4Mr7K  
46 
 
En 1914 produce un film de nombre “Gertie, el 
dinosaurio” la cual consistía de 10000 dibujos 
(personajes-fondo unidos). En el momento de la 
proyección el realizador se paraba frente a la pantalla 
con un látigo en la mano e interactuaba con el dinosaurio 
dibujado durante el film.  
Una idea sensacional, con el paso del tiempo y la 
experimentación de la técnica se fueron creando nuevas 
formas de animación.  
Se dice que la John Bray tuvo la excelente idea de 
utilizar hojas transparentes de celuloide en la animación, 
para trabajar capa por capa, lo cierto es que Earl Hurd 
perfeccionó la técnica de los dibujos animados, al patentar 
en 1915 el uso de hojas transparentes de celuloide para 
dibujar las imágenes y que permitirían superponer a un 
fondo fijo las partes en movimiento. (Vera, 2019) 
47 
 
 
Este método de trabajo, mejorado por Raoul Barré, 
fue quien por primera vez pensó en perforar los márgenes 
de los dibujos, con el fin de asegurar la estabilidad de las 
imágenes durante las tomas de cámara. los hermanos 
Fleischer. 
Figura 9 
Anuncio en el periódico de la película Gertie the Dinosaur de 
Winsor McCay  
 
Nota. publicado en Variety y otras revistas en diciembre de 
1914. Fuente: https://lc.cx/e5Df7z 
48 
 
Desde estos tiempos, las técnicas de animación 
empezaron a cambiar, y evolucionaron para buscar 
mejoras en el desarrollo y el realismo de cada una de ellas. 
Los intentos y avances logrados por los hermanos 
Fleischer, David y Max, quienes fueron los creadores de 
Popeye y Betty Boop, la cual fue censurada en 1924 por 
un “puritano” senador norteamericano que acusó de 
inmoral a la vampiresa. 
Figura 10 
Ilustración de Betty Boop, creada en 1930 
 
Nota. Por su abierta sexualidad, tuvo mucho éxito en el cine 
estadounidense.: Fuente: https://lc.cx/l2J9tc 
49 
 
Los hermanos Fleischer desarrollaron entre 1916 
a 1929 aportes importantes a la animación, el rotoscopio, 
un aparato que permite calcar personajes animados sobre 
personajes reales proyectados. Y el uso de la cámara 
multiplano que alojaba la creación de cartones contra 
movimiento y escenarios tridimensionales.  
Otro de las realizaciones de estos hermanos fue el 
primer corto animado con sonido integrado, Mother Pin a 
Rose on Me, realizado por Max y Dave, con el que se 
pudo integrar música a la cinta de celuloide. 
Otro de los avances de Max Fleischer fue la 
creación de “koko the clown” ya que este estaba hecho a 
partir de la técnica de Rotoscopia en donde 
principalmente grababa a su hermano haciendo una 
escena y sobre el rotoscopio podía dibujar al payaso 
haciendo las mismas acciones esto ayudó mucho más a la 
50 
 
fluidez del personaje ya que hacía sus movimientos más 
humanos y más fácil de realizar para esa época.  
Figura 11 
Rotoscopio original de Dave Fleischer. 
 
Nota. El rotoscopio es una máquina que permite a los 
animadores diseñar imágenes para películas de animación.   
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Rotoscopio  
51 
 
Pat Sullivan En 1917 de la mano de Pat Sullivan 
primero y luego su sucesor, Joseph Oriolo, surge Félix el 
gato, el primer personaje de animación que tendría un 
gran éxito en masas. Este no se destaca por el aporte 
técnico, si no por la suma al lenguaje y nuevos rumbos en 
la animación. 
 
Figura 12 
Primeros diseños de “Félix el gato”  
 
Nota. Debuta en un corto de Paramount Pictures titulado "Feline 
52 
 
Cristiani: El Apóstol Haciendo un salto hacia el 
sur del planisferio, en Argentina, Quirino Cristiani, 
realizó el primer largometraje de animación de la historia 
de una hora y diez minutos de duración, "El apóstol" 
(1917), una sátira al gobierno de Don Hipólito Irigoyen 
magistralmente filmada en 35 mm. Usó la técnica del 
dibujo y el recorte: para no repetir su personaje, le iba 
sumando articulaciones.                                                      
Figura 13 
Dibujo de Yrigoyen realizado por “El Mono” Taborda para “El 
Apóstol” 
 
Nota. El apóstol es una sátira política, tiene la particularidad de 
ser el primer largometraje de animación de la historia del cine. 
Fuente: https://www.filmaffinity.com/es/film492349.html 
53 
 
2.6.3 El inicio del imperio “Disney” 
El nacimiento de una nación animada: La Disney 
En 1919, un tal Disney decide meterse dentro del mundo 
de la animación con Ub Iwerks. Luego de presentar 
Laugh-O-Grams, tener éxito, dejar de tenerlo y quedar en 
la ruina. Decidieron invertir en Hollywood en 1923, con 
la ayuda del hermano mayor Disney y sus conocimientos 
financieros crean una nueva firma.  
Walt, retomó y extendió la técnica de Max 
Fleisher de combinar acción en vivo con personajes de 
caricatura en la película "Alicia en el país de las 
maravillas'' en 1923. 
54 
 
 
Hasta el año 1927 crearon cortos animados, como 
a uno de sus protagonistas, el ratón Mortimer, que luego 
de unos retoques se convirtió en Mickey, Plane crazy y 
Gallopin gaucho, los primeros cortometrajes que lo 
tuvieron como protagonista, pero pasaron casi 
desapercibidos.  
Figura 14 
Imagen inicial de la película de “alice's wonderland” (1923) 
 
Nota. Película que une acción viva con animación. Fuente: 
https://www.dailymotion.com/video/x6j8a86 
55 
 
En 1928 Disney, realiza "Steamboat Willie" 
donde, a partir de aquí el ratón comienza a consagrarse 
como el más famoso del séptimo arte. Este film fue el 
primer corto animado con sonido sincronizado. además, 
que a día de hoy sigue siendo esa imagen la que identifica 
a los largometrajes hechos principalmente por Disney. 
Figura 15 
Primeros diseños de Mortimer que cambió a Mickey mouse. 
 
Nota. El primer dibujo de Mickey fue sin guantes ni zapatos. 
Reflejaba el estilo popular de la década de los 20. Fuente: 
https://cinemasaturno.com/listas/datos-curiosos-mickey-mouse/ 
56 
 
En 1932 adaptó el Technicolor a partir de “Árboles 
y flores” En 1935 de la Disney perfeccionó el truco 
multiplano, una especie de estantería metálica capaz de 
soportar numerosas planchas de cristal equidistantes sobre 
las que habrán de posarse los respectivos celuloides 
pintados para que -al filmarlos perpendicularmente, den 
una Mayor impresión de profundidad que utilizó por 
primera vez en “El viejo Molino” en 1937. 
Figura 16 
Fotograma de “Steamboat Willie" 
 
Nota. Secuencia que permanece a “Walt Disney animation 
studios”.  Fuente: https://lc.cx/voIeQD 
 
57 
 
Más tarde Disney crea Blancanieves y los siete 
enanitos.Primer largometraje animado en la historia,          
Figura 17 
Fotografía de Walt Disney mostrando sus planos de la cámara 
multiplano   
 
Nota. la cámara multiplano trabaja dando una sensación de 
profundidad en cada escena.   Fuente: https://lc.cx/8lddSw 
Figura 18 
Lobby card de Blancanieves y los siete enanos.  
 
Nota. En esos años se usaba ese tipo de carteles para presentar 
las películas. Fuente: https://lc.cx/1sK2aE 
58 
 
Willis O'Brien creó a King Kong en 1933. Para 
darle vida a sus obras, se utilizó la técnica stop 
motion.  Willis, utilizó muchos kilos de plastilina (además 
de muchos otros materiales para crear a sus personajes, 
además sus muñecos poseían una especie de esqueleto 
para su mejor manipulación y duración. King Kong fue 
combinado con una película de acción real para lograr así 
un gran impacto en el público. 
Figura 19 
Escena de King Kong (1933) 
 
Nota. Es conocida por sus innovadores efectos especiales, que 
incluyen animación stop-motion, 
Fuente:https://www.monstercomplex.com/blog/flashback-king-
kong-1933 
59 
 
2.6.4 La TV inicios y cambios 40 ´s - 60 ´s 
Para fines de los años 30, la TV hace su aparición 
para ocupar ese rincón libre, que todas las casas del 
mundo tenían antes de su llegada. Este trae consigo la 
posibilidad de un nuevo soporte y sobre todo un nuevo 
medio donde emitir las obras cinematográficas y 
animadas. 
La Warner Brothers desarrolla sus cartoons desde 
los años 30 's, su equipo de animadores y directores, como 
Tex Avery, Chuck Jones, Fred Freleng, Bob Clampett y 
Bob McKimson desarrollaron cientos de cartoons. Su 
técnica de desarrollo, ha sido básicamente el mismo que 
se venía haciendo hasta ahora, el tradicional de dibujos 
con celdas. 
60 
 
Uno de los grandes mencionados que trabajos en 
la Warner fue Tex Avery, ya que su estilo de animación 
logró impactar a niños por su dinamismo además de que 
sus personajes que enfocan principalmente en temas un 
poco subidos de tono que quedaba acorde a lo que buscaba 
con los Looney tunes pero que por su parte con red y el 
lobo lograban cambiar la historia clásica y hacerla de 
alguna manera adulta. 
Figura 20 
Slick Wolf personaje más icónico de Tex Avery 
 
Nota. A menudo se le empareja con Droopy y Red en sus 
primeras caricaturas. Fuente: https://lc.cx/RqgRiR 
61 
 
Hanna-Barbera Bill y Joe usaron los mismos 
métodos de animación que la Warner en los cortos de Tom 
y Jerry. Las series fueron producidas por el estudio de 
Hollywood de Metro-Goldwyn-Mayer desde 1940 hasta 
1958, cuando el grupo de animación del estudio fue 
cerrado. cuando decidieron hacer su empresa de dibujos 
animados para TV.   
Figura 21 
Primeros diseños de Tom y Jerry (1940) 
 
Nota. En su presentación, eran Jasper y Jinx. Fuente: 
https://lc.cx/RqgRiR 
62 
 
Se decidió hacer un sistema más sencillo de 
animación, que resultó barato, permitiendo realizar 
muchas producciones para Televisión, como el Oso 
Yogui, Huckleberry Hound, los Picapiedras, Su técnica 
económica consistía en la independencia de tronco y 
extremidades; 12 dibujos fotografiados 2 veces cada uno 
para un segundo de animación; y fondos sin fin 
 
Figura 22 
Ejemplo de imágenes creadas en los 60´s 
 
Nota. Se eligio a  Los Picapiedras (en inglés, The Flintstones) 
creados en 1960, por que es uno de los exponentes de la 
economización de los fotogramas. Fuente: https://lc.cx/NhVaIf 
63 
 
Para Walter Lantz (1989 - 1994), la animación es 
un arte, que desarrolló en los estudios Universal durante 
años, utilizando la técnica tradicional e historias que 
hacen parte del cartoon. realizó el pájaro loco, Andy 
Panda y Chilly Willy.                              
Figura 23 
Imagen de Walter Lantz y sus personajes 
 
Nota. Fue un caricaturista y animador estadounidense. Fuente: 
https://lc.cx/1Ysy6B 
64 
 
Looney Tunes. En 1931, la Warner había 
emprendido otra serie similar a Looney Tunes: Merrie 
Melodies. Al principio de su andadura paralela, Looney 
Tunes se encargaba de los personajes más recurrentes del 
estudio en cortometrajes en blanco y negro, mientras que 
Merrie Melodies se encargaba de personajes que en 
principio no volverían a aparecer, y hacía los cortos con 
el formato del Cine color y con el primer formato del 
Technicolor. Pero desde 1943, Looney Tunes empezó a 
emplear el Technicolor mejorado, y para entonces Merrie 
Melodies ya incorporaba en sus películas personajes que 
se habían hecho populares. 
65 
 
Para Looney Tunes, se empleaba una adaptación 
instrumental de Carl Stalling, Milt Franklyn y Bill Lava 
de la melodía principal de The Merry-Go-Round Broke 
Down (Rueda que rueda el carrusel para ella y para él), 
cuya letra era de Cliff Friend y Dave Franklin. 
 
Figura 24 
Personajes de los Looney tunes, creados por Tex Avery y Chuck 
Jones   
 
Nota. serie animada de la Warner Bros que coexistió junto con 
la serie Merrie Melodies. Fuente: 
https://caricaturaswb.fandom.com/es/wiki/Looney_Tunes  
66 
 
En Merrie Melodies, se empleaba una adaptación 
de Bernard B. Brown, Norman Spencer y los tres músicos 
anteriores de Merrily We Roll Along, canción de Charles 
Tobias, Murray Mencher y Eddie Cantor que se basaba 
vagamente en la tradicional Goodnight, Ladies, que se 
había empleado en los minstrels y que a menudo se 
atribuye a E. P. Christy (Edwin Pearce Christy, 1815 - 
1862), artista de ese campo. 
Aunque los cortos de comienzos de los años 30 no 
estaban pensados específicamente para el público infantil, 
consistían principalmente en números musicales y eran 
bastante inocentes. Ya para finales de esa década, los 
dibujos animados estaban hechos para adultos, y eso 
cambiaba la temática. 
En 1940, surgió la mayor estrella del estudio: Bugs 
Bunny, que apareció por primera vez como tal en A Wild 
67 
 
Hare, corto de Merrie Melodies dirigido por Tex Avery y 
en el que no falta Elmer Gruñón (Elmer Fudd) en una de 
sus cacerías. Avery empezó a dirigir en 1941 Crazy 
Cruise, otra producción de Merrie Melodies, pero 
abandonó el estudio en septiembre de ese mismo año y se 
encargó terminar la dirección del corto a Robert Clampett; 
en esa película, estrenada en 1942, Bugs Bunny tuvo una 
aparición fugaz.  
Ese mismo año, Schlesinger empezó a producir 
cortos en color de Looney Tunes: el primero fue The Hep 
Cat, dirigido también por Robert Clampett. Aparecería 
también el conejo (o la liebre) al final de la historia de 
1943 Porky Pig's Feat, dirigida por Frank Tashlin y en la 
que también aparecía el Pato Lucas. 
Esa sería la única inclusión de Bugs Bunny en un 
corto en blanco y negro de Looney Tunes, cuyo último 
68 
 
trabajo en ese formato sería ese mismo año: Puss 'n' 
Booty, dirigido también por Frank Tashlin. La 
incorporación oficial de Bugs Bunny a Looney Tunes 
sería en 1944 con el corto Buckaroo Bugs, dirigido por 
Robert Clampett.  
 
Figura 25 
Póster del cortometraje de Porky y el pato Lucas. 
 
Nota. Porky y el Pato Lucas deben una enorme suma al hotel 
Broken Arms. El gerente frustra sus esfuerzos por escapar sin 
pagar la factura. Fuente: https://lc.cx/-txu2U 
69 
 
Desde 1938 hasta 1946, los cortos de Looney 
Tunes terminaban con Porky saliendo de dentro de un 
bombo, rompiendo el parche, ¡para decir «Th-th-th-that ‘s 
all folks!» («¡Eso es to... eso es to... eso es todo, 
amigos!»). Las únicas excepciones de esa norma son el 
final de Hare Tonic (Chuck Jones, 1945) y el Baseball 
Bugs (Fritz Freleng, 1946), en los que esa función de 
Porky era asumida por Bugs Bunny. 
Figura 26 
Imagen final de Porky despidiéndose del programa.   
 
Nota. Esto hizo de porky un personaje más conocido y famoso. 
Fuente: https://lc.cx/iu9sL7 
70 
 
La popularidad de Looney Tunes se acrecentó al 
empezar a emitirse los cortos por televisión, incluyendo la 
redifusión, a mediados de los años 50. 
Durante parte de los 60, al haber cerrado sus 
estudios Warner, la producción de los cortos sería obra de 
la compañía DePatie-Freleng. Los cortos de esa etapa 
pueden reconocerse porque tienen una cabecera diferente 
en la que destacan la animación limitada y dibujos sobre 
fondo negro, además de una modificación de la música de 
The Merry-Go-Round Broke Down que es obra de 
William Lava. 
La serie original de Looney Tunes (proyectada en 
cines) duró desde 1930 hasta 1969. El último cortometraje 
de esa época, que es de la serie Merrie Melodies, fue Injun 
Trouble, dirigido por Robert McKimson. Se canceló 
71 
 
entonces la distribución a las salas de cine, que se 
emprendería en 1988. 
Ya que con la televisión los niños tenían fácil 
acceso a los cortos, se harían remontajes, sobre todo en 
los años 70, en los que se eliminarían insinuaciones 
eróticas, caricaturas y estereotipos raciales (sobre todo de 
negros, asiáticos, judíos y amerindios, y la presentación 
de los alemanes como nazis), vicios considerados 
reprobables (como fumar y la ingesta de alcohol o de 
pastillas), violencia extrema, suicidios y actos peligrosos 
que pudieran ser imitados por gente de corta edad. 
2.6.5 Experimentación de la Animación 60 ´s 80 ´s 
Para los años 60 ́s con inicio de la época 
psicodélica entró la parte de la experimentación dentro de 
la animación uno de los principales en este ámbito fue 
Ryan larkin (1943 - 2007) animador canadiense que 
72 
 
participó en múltiples trabajos, siendo mayormente 
reconocido “walking” (1968) donde muestra distintas 
formas de caminar de las personas, con ilustraciones con 
pluma o en acuarela. con este cortometraje logró ganar un 
Oscar, con ello trabajo en otras animaciones como Syrinx 
y Street musique.  
Figura 27 
Fotograma del cortometraje “walking” (1968)  
 
Nota. Este cortometraje le gano al creador se nominado en los 
premios Oscar.  
Fuente: https://lc.cx/Z2Q8tD 
73 
 
En 1961 se estrena 101 dálmatas, largometraje 
hecho por Disney, que después de las pérdidas millonarias 
que costó “la bella durmiente” (1959) se redujo el 
presupuesto, con lo que los animadores utilizaron el 
proceso Xerox, este proceso era que la ilustración de los 
animadores de digitalizaba sin la necesidad de entintar o 
de limpiar las línea, lo que hizo que fuera rápido el 
proceso de animación, pero con una película  que tenía 
líneas de acción un poco más sucias también para que los 
fondos entrarán acorde con los personajes se entintaron 
más libremente sin cubrir por completo el contorno, con 
esto lograron conseguir ganancias millonarias lo que 
rescato a Disney de la bancarrota. 
74 
 
Lillian Schwartz realiza el corto “Pixilation” 
hecho completamente a computadora. sucedió en un 
momento en que el sistema informático era lineal en 
tiempo y espacio; los programas aún no controlaban a los 
píxeles como si fueran paletas de color movibles y 
maleables, por lo que escribió sólo unas líneas de código 
de texturas blanco y negro generadas por ordenador que 
luego mezcló con animación coloreada a mano.    
Figura 28  
Lobby card de la película 101 dálmatas. 
 
Nota. Con un presupuesto de más de 3 millones logro recaudar 
215 880 014 dólares. 
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/101_dálmatas 
75 
 
Desarrolló una técnica de edición de forma tal que 
los colores entre los dos medios coincidieran lo más 
posible, pero a veces no del todo, para permitir que el ojo 
vea una composición cromática aún más saturada. El film 
puede verse tanto en 2 como en 3D sin desplazamiento de 
píxeles, aunque deben vestirse gafas 3D ChromaDepth. 
 
Figura 29 
Cuadro del corto “Pixilation” de Lillian Schwartz. 
 
Nota. Pionera del arte mediado por computadora, mezcló 
algoritmos generativos visuales con películas. Fuente: 
https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=tCcH0O7-
Khc 
76 
 
John Lasseter en 1984 presenta el primer corto 
creado en computadora, llamado “the adventure of André 
& Wally B” estrenado por Lucasfilm Graphics Project 
esté teniendo diseño de personajes, fondos y movimiento 
con principios de animación en sus extremidades 
logrando crear todo a partir de polígonos. 
Figura 30 
Escena del cortometraje “the adventure of André & Wally B” 
 
Nota. Lasseter fue más allá y pidió al equipo técnico una forma 
de lágrima que pudiera doblarse de varias maneras. Fuente: 
https://www.pixar.com/andre-wally-b 
77 
 
El corto involucra a un androide llamado André, 
quien despierta en un bosque por una abeja llamada Wally 
B. André distrae a la abeja para poder huir corriendo. 
Wally B. se percata de ello y lo sigue para picar, saliendo 
de la pantalla. Después, reaparece con el aguijón doblado 
y André le lanza su sombrero y ríe, mientras se aleja. 
En 1986, Pixar, un departamento propiedad de 
Lucasfilm en el que trabajaba John Lasseter, se separó de 
la productora y Steve Jobs se convirtió en accionista 
mayoritario de Pixar Animation Studios. Lasseter realizó 
íntegramente por ordenador una historia, Luxo, Jr., cuyos 
protagonistas, un par de luces de flexo, servirían de 
modelo al logotipo de los estudios. 
Cabe destacar el uso de una paleta de color poco 
saturada (poco habitual en la animación por 
computadora), unos efectos de sonido precisos y cuidados 
78 
 
y la proporción de la lámpara «infantil» respecto a la 
grande. No se trata de una simple versión más pequeña: 
las modificaciones realizadas recuerdan la diferencia de 
proporciones entre un humano adulto y un niño. 
 
Figura 31 
Poster del cortometraje “luxo jr.”  (1986) 
 
Nota. A día de hoy luxo junior sigo siendo la referencia para el 
estudio Pixar, 
 Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Luxo_Jr  
79 
 
Luxo Jr. convenció tanto al público como a los 
animadores de las posibilidades de la tecnología de 
animación por computadora, estableciendo el escenario 
de una revolución en la narrativa cinematográfica  
Dos años después Pixar patenta el sistema de 
animación renderman es tanto un software como una API 
desarrollada por Pixar para redes de renderizado 
distribuido de complejas imágenes tridimensionales, el 
cual es empleado en granjas de renderizado con muchos 
equipos cliente. Estos equipos cliente no requieren tarjetas 
gráficas 3D, Con este software produce el corto “Tin 
Toy”, dando la idea al primer largometraje hecho en 3D 
“Toy Story”. 
80 
 
2.6.6 Avances de la Animación, 90 ´s y nuevo milenio 
En el año 1995 se estrena al fin Toy Story siendo 
la primera película hecha en 3d por el estudio Pixar 
después de eso a lo largo de los años fueron sacando más 
películas igual en 3d además de algunas películas en 
conjunto con Disney teniendo un alcance mundial en 
donde han generado distintos softwares para ayudar a la 
Figura 32 
Poster del cortometraje “Tin Toy” (1988) 
 
Nota. Ganó un premio Óscar en la categoría de mejor 
cortometraje animado. 
Fuente: https://disney.fandom.com/es/wiki/Tin_Toy 
81 
 
realización de largometrajes como sistemas para generar 
pelo en animales como en personas teniendo las físicas 
adecuadas. 
Otro de los estudios que estuvo compitiendo con 
Pixar era DreamWorks, una productora audiovisual 
estadounidense, fundada en 1994 por Steven Spielberg, 
Jeffrey Katzenberg y David Geffen, con sede en la ciudad 
de Glendale, California. creando historias con mensajes 
más adultos pero abordados de manera infantil generando 
ganancias medias, pero fue en 2001 que estrena “shrek” 
Figura 33 
Imagen del estudio Pixar con sus distintos largometrajes.  
 
Nota. Hasta 2023, Pixar ha estrenado 27 largometrajes. Fuente: 
https://lc.cx/tDL8SR 
82 
 
película que recato al estudio además de ser la primera 
película protagonizada por humanos y ganando el premio 
Oscar en el 2002.  
A partir de este punto la industria de la animación 
en largometrajes como en la televisión se mantuvo muy 
similar en las películas, la demanda de películas 3D cada 
vez era más amplia, el público ya no se asombraba tanto 
con películas en 2D, sin embargo, en el mundo de series 
Figura 34 
Poster promocional de la película “Shrek”. 
 
Nota. Oscar: Mejor largometraje de animación. 2 nominaciones. 
Fuente: https://lc.cx/W5_Tlx 
83 
 
animada el 2D tenía gran avance desde animaciones para 
preescolar pasando por niños a ser caricaturas hechas para 
adultos.  
Todo generadas de manera similar con programas 
de animación donde los elementos o extremidades de los 
personajes eran planos haciendo de la animación algo 
menos costoso, en algún punto incluso se le conoció a una 
animación pobre por su falta de originalidad en los 
personajes ya que su estructura era similar aun así las 
historias de algunos programas lograron sobresalir de este 
paradigma. 
Para el 2018 se estrenó una película de Spiderman 
completamente animada logrando combinar diferentes 
tipos de animación contando una trama sobre multiversos 
logrando hacer de esta transición algo más fácil, sin 
embargo, fue el combinar varios estilos lo que le valió 
84 
 
para ganar un Óscar y que en el público se quedó como un 
gran momento tanto en la historia de la animación como 
de la historia del arácnido. 
Un año después salió la película “Klaus” 
planteando una nueva historia de santa Claus, lo que 
llamaba la atención de esta película es la combinación de 
Figura 35 
Imagen promocional de la película “Spiderman, into the spider 
verse” 
 
Nota. A partir de esta película salieron muchas similares a las 
que se referían como el estilo Spiderman. Fuente: 
https://lc.cx/o5q4pq 
 
85 
 
animación tradicional y digital ya que toda la película se 
inició en un método tradicional desde bocetos el entintado 
como el color, pero la parte digital estuvo que le dieron un 
acabado en distintos programas lo cual hace que tenga una 
estética tradicional, pero con una calidad superior.  
 
Figura 36 
Escena de la película “Klaus” (2019) 
 
Nota. Klaus es la primera producción animada de su estudio en 
Madrid (The SPA Studios) y también de Netflix, quien 
distribuye la cinta. Fuente: https://lc.cx/FdXfyn 
86 
 
Con esto podemos ver el inicio desde una 
definición de la animación como parte de su historia, no 
mencionando paso a paso cada película, cortometraje e 
idea más bien lo que nos interesaba para partir de la 
investigación, los cambios significativos que tuvo la 
animación, los planteamientos que tuvieron los 
realizadores para incitar al público a consumirlos, también 
la forma de hacer mejores trabajos con su idea clara que 
es entretener, en su momento haciéndolo mientras se 
tenían ideas políticas que cada país quería que se tuvieran 
en cuenta para sus jóvenes, así como los cambios en las 
técnicas las distintas experimentaciones que existen en 
todos los tipos de artes el momento de jugar con lo que 
tenemos para crear nuevas formas e ideas de comunicar. 
 
87 
 
Teniendo la historia en cuenta, logramos ver que 
es lo que necesitamos para poder cumplir un objetivo que 
es el entender su animación, no solo decir que lo actual es 
malo ni bueno, no haciendo juicios de valor se deben tener 
en cuenta las nuevas ideas los tiempos que cambian y 
cómo los medios de comunicación deben adaptarse. 
2.7 La construcción de la Animación  
En el presente capítulo veremos aquello que hace 
de la animación lo que son, comenzando con la 
animación, para que esta pueda funcionar no se busca 
simplemente que los dibujos tengan una sucesión de 
dibujos, más bien, que esas variantes de dibujos tengas 
ciertas cualidades para hacerlo lo más natural y en algunos 
casos lo más acercado a la realidad.  
88 
 
2.7.1 Los 12 principios de animación 
Para Becker (2021), existen 12 principios de la 
animación, son acciones que se deben tomar en cuenta 
para todo animador, fueron creados por animadores de 
Disney, entre ellos los principales son ollie Johnston y 
Frank Thomas. con esto buscaban darle un mayor 
entendimiento al hablarse entre ellos, saber qué era lo que 
sentía que necesitaba cada personaje o acción.  
Principalmente lo veremos o lo mencionaremos en 
objetos o elementos con distintas funciones ya que es a lo 
prioridad de esta investigación, sin embargo, también 
pueden ocuparse en personajes.  
Estirar y encoger. El primero es el estirar y 
encoger (Squash & Stretch) este consiste en deformar al 
objeto o al personaje con el fin de ayudar a hacerlo más 
dramático, cómico o simplemente más expresivo, uno de 
89 
 
los puntos que se deben de tomar en cuenta es que el 
dibujo, comprimido o estirado debe tener una masa 
similar. (Becker, 2021) 
Con esto me refiero que a plena vista,el dibujo 
ocupar la misma área ya que el cambio de esto hará que el 
objeto sea un poco raro ya que no puede ser más grande o 
chico a menos que esa sea la cualidad del objeto. 
90 
 
 
Figura 37 
Bota con principio de estirar. 
 
Nota. Se eligió una bota ya que es de los principales objetos a 
animar en ejercicios básicos. Autoría propia Armando Sanchez 
 
Figura 38 
Bota con principio de encoger. 
 
Nota. Se eligió una bota ya que es de los principales objetos a 
animar en ejercicios básicos. Autoría propia Armando Sanchez 
91 
 
 Anticipación. El segundo es la anticipación 
(Anticipation) es básicamente como su nombre lo indica 
la anticipación de la acción, esto funciona para el 
espectador ayuda a ver como un objeto va a moverse o a 
realizar alguna acción, por ejemplo, alguien que va a 
correr primero toma impulso para salir más rápido, esto 
busca hacer la animación, un dibujo de la acción antes de 
la principal.  
Este puede tener ayuda del anterior principio para 
poder enfatizar más las acciones al acogerlo con una 
acción anticipada genera más emoción al objeto. (Becker, 
2021) 
92 
 
 
Puesta en escena. El tercero es la puesta en escena 
(Staging) este va más enfocado al entorno que rodea el 
objeto, nos indica que lo primero es dejar clara la idea de 
lo que sucede en un escenario. Puede definir una acción, 
el acting o la personalidad de nuestro objeto, sus 
intenciones o incluso su estado de ánimo. (Becker, 2021) 
Figura 39 
Acción de anticipación, personaje preparándose para patear un 
balón. 
 
Nota. Este principio busca darles más dinamismo a las acciones. 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
93 
 
Esto también ayuda con los elementos que debe 
haber en cámara ayudando en el proceso de storyboard y 
también para entender mejor los planos, ángulos de la 
cámara, ya que en el lenguaje cinematográfico cada plano 
y ángulo denota diferentes emociones y expresividades 
del objeto para enfatizar más su emoción o lo que tiene 
alrededor. 
Figura 40 
Puesta en escena 
 
Nota. personaje emocionado por un helado mostrando escena uno 
y dos. Autoría propia Armando Sanchez Rios 
94 
 
Acción directa y pose a pose. Para este siguiente 
principio es más por el tiempo en que fue creada, es la 
animación tradicional y las formas de hacerlo para ayudar 
en su proceso, se refiere a las poses en la que se va a mover 
el objeto están definidas como poses claves con esta vez 
donde inicia la acción donde hace algún cambio y donde 
termina. (Becker, 2021)  
Con esto ayuda al animador a saber dónde ira o 
donde tendría que dibujar poses intermedias y que tan 
juntas o separadas están, pero eso es otro principio.  
Figura 41 
Animación pose a pose. 
 
Nota. Dibujos pose a pose de un salto. Autoría propia Armando  
95 
 
También por tiempo en el que fue creada por el 
dibujo tradicional, pero este también funciona para el 
dibujo digital en este caso no necesitas dibujar las poses 
intermedias ya que la máquina tiene la habilidad de saber 
que poner en medio de los keyframes que se colocan y se 
modifican conforme a la pose clave final. 
Acción continuada y superpuesta. Estos dos 
principios ayudan a enfatizar la acción en nuestras 
animaciones, además de hacerlas más naturales y creíbles. 
Cuando se produce el movimiento de un objeto o 
personaje, al finalizar su trayectoria, las distintas partes de 
su cuerpo tienden a continuar dicha trayectoria (principio 
de inercia). A esto se le llama Acción Continuada.  
96 
 
Con esto también ayudamos a ver el peso del 
objeto que tan liviano o pesado es dependiendo que tanta 
inercia le afecta, no es mismo el movimiento de 
continuidad que tendrá el cabello a un alambre de cobre. 
(Becker, 2021) 
Figura 42 
Movimiento de continuación de una pluma. 
 
Nota. Se marcan los movimientos que debe seguir la animación. 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
97 
 
Para buscar la naturalidad en nuestras 
animaciones, debemos evitar que los elementos o partes 
del cuerpo reaccionen de forma paralela y simultánea. 
Esto se consigue con la Superposición. Si nuestro 
personaje acaba de aterrizar de un salto podemos apoyar 
primero un pie y a continuación el otro. 
Entradas lentas salidas lentas.  El sexto principio 
son las entradas y salidas lentas (slow in and slow out) con 
este principio se busca generar animaciones más 
orgánicas y naturales, esto va enfocado a los principios de 
gravedad la resistencia junto con la aceleración y 
desaceleración de los objetos. (Becker, 2021) 
98 
 
 
Esto se mencionó con el principio de pose a pose 
dependiendo que tan cerca está el siguiente fotograma lo 
hará más lento y que tan alejado este será más rápido 
haciendo que sea más acelerado cuando haya menos 
dibujos.  
Figura 43 
Animación pose a pose 
 
Nota. Pose a pose de una mano con los diferentes fotogramas 
usados. Autoría propia Armando Sanchez Rios 
 
99 
 
En la parte digital existen lo que se conoce como 
curvas de animación, estas te permiten acelerar o 
desacelerar una acción dependiendo de cómo se 
modifiques, ayudan al programa a entender la velocidad 
que debe tener para llegar del punto A al B. (Becker, 
2021) 
Existen más modos en los que puedes indicar al 
programa como quieres que reaccione dependiendo el 
objeto que tengas y la forma más natural en la que quieres 
que este se mueva. 
100 
 
 
Arcos. El siguiente son los arcos (Arcs) son 
básicamente en cómo se mueven todo en nuestro 
alrededor, nada se mueve de forma linear siempre tiende 
a hacer una curva, esta genera dinamismo en las acciones 
Figura 44 
Diferentes tipos de curvas de animación que existen. 
 
Nota. Cada curva funciona para diferentes movimientos del 
objeto. Fuente. https://lc.cx/FXKxZ8 
101 
 
aquellas cosas que son más lineales pueden ser máquinas 
o cosas que se mueven bajo comando, pero una pelota o 
el lanzar una botella llevará a hacer un arco de 
movimiento. 
Además, si buscamos hacer una trayectoria desde 
un punto A al B terminaríamos encogiendo el elemento en 
lugar de que mantenga su mismo volumen haciendo lo 
más creíble. (Becker, 2021) 
Figura 45 
Poses claves de un pie enmarcado la curva que tiene al dar un 
paso. 
 
Nota. Al igual que el principio pose a pose dependiendo de la 
cantidad de dibujos se verá más rápida o lento, pero siguiendo la 
curva o arcos de animación. Autoría propia Armando Sanchez  
102 
 
Acción secundaria. Cada objeto tiene su 
acompañamiento algo que refuerza tanto la figura como 
la acción y este elemento extra también debe tener los 
principios a esto se le llama la acción secundaria, lo 
principal de esta acción es que nunca debe estar más 
marcada que la acción dominante.  
Solo existe para enfatizar la acción, por ejemplo, 
el que alguien esté caminando, la acción principal es el 
caminando y la secundaria podrían ser los movimientos 
de las manos denotando enojo o desinterés dependiendo 
de cómo se mueven.  (Becker, 2021) 
103 
 
 
Ritmo. El ritmo (timing) se usa principalmente 
para referirnos a la duración que debería tardar el objeto 
en realizar una acción esto de la mano con el principio de 
pose a pose y el de entradas y salidas lentas con ellos 
podemos ver que tan rápido es la acción, la forma en la 
que más dibujos hagan que cambie el sentimiento de esta 
acción o el significado. (Becker, 2021)  
Figura 46 
Acción secundaria  
 
Nota. Personaje denotando cansancio, la idea principal con un 
caminado lento la acción secundaria siendo los brazos colgando 
y la curvatura de su cuerpo. Autoría propia Armando Sanchez 
104 
 
Para este principio también debemos conocer otro 
punto importante y este es la forma de trabajo en los 
fotogramas, normalmente se trabaja a 24 cuadros por 
segundo lo que significa que debe de haber 24 dibujos 
por cada segundo de la animación, esto cambia 
dependiendo de lo rápido o lenta que quieres ver la 
animación e incluso cambia dependiendo el tiempo de 
trabajo que quieras realizar. 
En algunos estudios de animación se trabaja a 12 
fps lo que reduce los dibujos por segundo, a esto se le 
llama doces, eso ayuda en la producción, pero se puede 
ver rara, todo depende del diseño que tenga tu objeto, 
figurado personaje, en el animé japonés se trabaja a tres, 
por lo que cada dibujo permanecerá estático por 3 cuadros 
por segundo.  
105 
 
Exageración. Bien la exageración es, eso, 
exagerar los elementos del objeto, se puede apoyar de los 
principios anteriores, estirando o encogiendo o con arcos 
más pronunciados, en detalle es que exagere la acción si 
algo es feliz que se vea super feliz al igual que con algo 
triste, también con acciones como saltar o empujando 
algo, el hacer que al personaje se vea más cansado al 
moverlo ayuda a darle mayor énfasis a lo que queremos 
comunicar. (Becker, 2021)  
Figura 47 
Dibujo pose a pose   
 
Nota. Pose a pose de una bala para ver la velocidad y ritmo. Autoría 
propia Armando Sanchez Rios 
106 
 
Solidez. En este principio puede verse en varias 
partes la primera de ellas es que cada objeto o en este caso 
el personaje, deben de tener un equilibrio que por el 
tiempo que se esté trabajando con ese objeto debe ser del 
mismo tamaño y volumen. 
Figura 48 
Henry el gato con la exageración de que está enamorado. 
 
Nota. Este principio funciona mucho en caricaturas animadas ya 
que los personajes pueden tener esa libertad. Autoría propia 
Armando Sanchez Rios 
107 
 
Para ayudarte en el volumen es bueno hacer el 
objeto desde las diferentes vistas y ángulos para tener 
mayor entendimiento de cómo se trabaja y las medidas 
que tiene, no es lo mismo trabajarlo en volumen, como 
cubos, círculos y conos que, en figuras bidimensionales, 
eso carece de identidad y de forma en los 
objetos. (Becker, 2021) 
Figura 49 
Solidez de personaje 
 
Nota. Personaje hecho a base de esferas conos y cilindros. 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
108 
 
El otro punto es la solidez con el entorno la forma 
en la que este trabaja en un ambiente 3D que mantenga las 
proporciones y formas en cualquier punto del plano. Para 
saber y conocer las escalas en planos más cerrados o 
abiertos. 
Y el último de solidez es la limpieza del dibujo el 
hacer la línea más limpia una vez que tengas tu objeto 
puede este tener mayor fuerza en lo que comunica, este 
punto es más flexible dependiendo de lo que quieras 
hacer. 
Personalidad y Atractivo. La personalidad es 
hacia los personajes, pero el atractivo (appeal) si se refiere 
a todos los objetos que dibujemos y animemos su 
principal función es hacer más atractivo al objeto, aunque 
este no necesariamente se refiere a algo bonito o bello es 
más a que parezca interesante para el espectador. 
109 
 
Al tener mucho estilo de animación puede variar 
la forma en la que a algunas personas le parezca atractivo, 
pero eso también entra en una parte subjetiva, pero para 
poder modificarlo existen distintas formas de generar 
atractivo en tus objetos.  Esto se puede de 3 formas 
principales: 
El primero es variando las formas, todo se crea a 
partir de figuras geométricas y si todos tienen una misma 
forma de rectángulo pierde identidad, sin embargo, si 
varias las formas generas mayos información de algo 
bueno o algo peligroso variando de círculos a triángulos. 
 
110 
 
 
Figura 50 
Serie figuras geométricas 
 
Nota. Determina estructura y tamaño de los personajes. Autoría 
propia Armando Sanchez Rios 
Figura 51 
Serie figuras geométricas 
 
Nota. Figuras geométricas con siluetas de los personajes. 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
111 
 
El segundo es sobre las proporciones el agrandar 
elementos ayudan a generar peso y mejor forma, en el 
caso de caricaturas que no siguen un canon de 
proporciones, achican el cuerpo para que sea más tierno. 
Figura 52 
Proporciones de personaje 
 
Nota. Personaje agrandando el cuerpo, generando peso. Autoría 
propia Armando Sanchez Rios 
 
112 
 
Y el tercero y último es mantenerlo limpio o más 
bien sin tanta información para una ilustración el nivel de 
detalle puede agrandar el atractivo del personaje, pero 
para animación se busca economizar lo más que se pueda 
así que el tenerlo con los menos detalles posibles ayudan 
a generan objetos más llamativos y que en personajes dan 
mayor personalidad. (Becker, 2021) 
 
Figura 53 
Comparación de dibujos. 
 
Nota. Boceto de un lobo, reduciendo los detalles para mejor 
personalidad y facilitar su animación.. Autoría propia Armando 
Sanchez Rios 
113 
 
Ahora que conocemos los principios de animación 
se puede entender cómo hacer  amigables nuestros 
objetos, personajes y formas, ya que entendamos a la 
perfección estos podemos trabajarlos sin la necesidad de 
pensarlos uno por uno, cada vez se simplificarán y se 
utilizarán aquellos que sintamos que son los más 
importantes y sobre todo aquellos que ayudan  a la idea de 
hacer los motion graphics con más facilidad y que 
comuniquen de manera asertiva, por qué es el objetivo 
principal de este trabajo, el saber cómo comunicar de esta 
manera visual y animada. 
 
 
 
114 
 
2.8 Medios y usos de la Animación 
La animación se usa en distintos medios, ya sea la 
animación como herramienta de expresión en sus 
diferentes tipos, en lo que los artistas e ilustradores la 
ocupan, la forma en la que cada tipo de animación es 
construida. El uso de los motion graphics y de la manera 
en la que mayormente se ocupa, que principalmente es lo 
que importa en esta investigación sus usos y cómo los 
alumnos pueden entenderlo y aplicarlo en un entorno 
laboral.  
Para lograr entender cómo se usan en los motion 
graphics se usarán ejemplo de los distintos medios en 
donde se ocupa esto con el fin de tener una idea más clara 
de lo que se hace, así como también que el alumno tenga 
el interés de analizar cada producción que vea y entender 
cómo hacerlo o darse una idea de eso.  
115 
 
2.8.1 Tipos de animación 
A lo largo de esta investigación hemos visto lo que 
significa la animación desde su punto etimológico, visto 
en el primer capítulo, también la historia contando los 
grandes avances y aquellos principios que se consideran 
para tener una animación más dinámica, pero en todo esto 
existen distintos tipos de hacerla, todo dependiendo de lo 
que se quiera mostrar y el cómo, pero también de en donde 
se transmita. 
Animación 2D. La animación 2D es la que se 
realiza a través del dibujo y tiene este nombre porque los 
elementos con los que se componen carecen de 
profundidad, antes de existir la animación 3D y los 
ordenadores, lo que hoy llamamos animación 2D se 
conocía simplemente por animación, que actualmente 
puede servir o ayudarse de ordenadores y programas 
116 
 
diferenciándose del stop motion que veremos más 
adelante. 
Aunque esta animación tenga varias  formas de 
realizarse que es lo que conocemos por técnicas se pueden 
clasificar en dos grandes grupos, está la  full frame que es 
como  llamamos a la animación de alta calidad en la que 
se dibujan todos los  fotogramas como su propio nombre 
indica, esta calidad requiere un coste alto y suele  ser 
huella de grandes estudios que quieren mostrar hasta 
dónde pueden llegar y hacer  obras que cumplan en todos 
los aspectos, aquí cada plano intenta brillar por sí mismo 
los detalles suman e intentan  aportar más información y 
subtexto Ejemplos: el libro de la selva, el príncipe de 
Egipto, el gigante de hierro o la reciente Klaus que tiene 
una edición más digital aparte del dibujo cuadro a cuadro.  
117 
 
Por otro lado tenemos la animación limitada 
lleva  este nombre por la limitación de un movimiento, 
para ahorrar costes se reducen el número de  postes de los 
personajes o por ejemplo si tienen que hablar disminuyen 
el movimiento del cuerpo  en algunos casos incluso 
bloqueando por completo y sólo animan la voz, también 
es corriente en  el uso de ciclos o de repetir encuadres para 
Figura 54 
Hoja de bocetos de personajes de la película el gigante de hierro. 
 
Nota. La hoja de boceto ayuda a ver como se verá el personaje 
con su arte y distintas expresiones 
Fuente: https://lc.cx/8mcxyf 
118 
 
ahorrar costes en fondos lo que suele ocurrir  para no 
percibir esta baja de calidad, se usan planos con 
animación de más calidad en momentos  que serán 
recordados o con mayor detalle. 
Este tipo de animación es en serie de televisión 
donde el ahorro y los tiempos son cruciales ejemplos muy 
claros de animación limitada no es los Picapiedra o 
Phineas y Ferb por poner un ejemplo, más actual en el 
anime es muy común ver el personaje totalmente quietos, 
pero para no dar una sensación de estabilidad mueve la 
cámara y así los planos ganan dinamismo los japoneses 
son expertos en sacarles el máximo provecho a cada pose. 
Proceso y construcción del 2D. Todo tiene una 
forma en la que se construye, veremos la forma en la que 
se hace la animación 2D ya que invariablemente de ser 
con un diseño de personaje o para anuncios publicitarios 
119 
 
el proceso debe tener una línea que es importante para 
salir al aire y que con ello pueda tener un éxito o una 
aceptación en el público 
Como primer paso que ya hemos visto 
anteriormente está el  fotogramas por segundo en donde 
se puede ver como un mito muy extendido que dice que 
se hacen 24 dibujos por segundo para completar una 
Figura 55 
Imagen del proceso que toma una animación o una idea. 
 
Nota. Cada idea cuenta con estos pasos para poder revisar y 
verificar que la idea funcione. 
Fuente: https://lc.cx/3F-scg 
120 
 
animación, ya que el cine se produce a 24 fotogramas por 
segundo en cambio en la animación es raro que se hagan 
tantos dibujos porque requiere mucho esfuerzo y el 
sobrecoste que genera no suele compensar y además esta 
ganancia de fluidez no siempre da resultado que se busca 
el mito tampoco es del todo falso porque en una película 
puede haber ciertos planos en los que si se dibuje  en todos 
los fotogramas. 
Lo que se conoce por animación a doce es esto 
quiere decir cada dibujo se mantiene durante dos 
fotogramas, pero entonces sería como reproducir a 12 
fotogramas por segundo se podría decir que sí, aunque no 
al cien por ciento, pero digamos que sí, aunque muchas 
grandes obras clásicas en animación que conocemos están 
realizadas a doses en su mayor parte y al contrario de lo 
que podríamos pensar se ven perfectamente fluidas.  
121 
 
En japón la mayoría del anime no está hecho a 
doses sino a treses en series de anime es prácticamente 
una norma mantener un dibujo tres fotogramas en el fin 
de ahorrar más en costes para compensarlo en los planes 
de acción suelen animar a dos o incluso a unos. 
Figura 56 
Ejemplo de cuantos dibujos se ocupan dependiendo la cantidad 
de imágenes. 
 
Nota. Representa de mejor manera cuantos dibujos entran entre 
los 24 fotogramas que puede durar un segundo. Fuente: 
https://lc.cx/YoPAek 
122 
 
A lo largo de los años en los inicios de la 
animación tras terminar se cogían todos los folios se 
llevaban al hogar colocaban el dibujo delante de la cámara 
y haciendo una foto cambiaban de dibujo, luego tenían 
que llevar ese carrete al laboratorio para positivar y 
después convertirlo en una película y proyectarlo para que 
los artistas pudieran ver el resultado. 
Esta labor y tarea se mantuvo hasta la llegada de 
los escáneres, con los escáneres todo se facilitó bastante 
los animadores podían probar más veces si su animación 
estaba funcionando o no anteriormente cuando 
terminaban de animar hasta que nos hacían todas las fotos 
de los dibujos y se hacía el positivado no podías ver si el 
plano no estaba funcionando como querías o no. 
123 
 
La forma más próxima de comprobar si tu 
animación iba por buen camino era flipeando tu proceso 
flipear es cómo se conoce a la acción de colocar cada 
dibujo y movernos rápidamente generando la ilusión de 
movimiento, otra opción era tomar todos los dibujos con 
una mano y con un dedo de la mano ir pasándolos para ver 
su movimiento. 
Figura 57 
Ejemplo de cómo se flipaban las hojas para ver la animación. 
 
Nota. Actualmente se sigue usa esa técnica para los animadores 
más tradicionales  
Fuente: https://lc.cx/7WoBG1 
124 
 
Con la llegada de lo digital esto cambió 
por  completo con la aparición de las primeras tabletas 
digitales que podríamos enchufar a un ordenador  y 
dibujar, los programas te permitía darle play sin tener que 
hacer procesos intermedios y  comprobar si la animación 
funcionaba o no, hay ciertos animadores que siguen 
prefiriendo el papel y existen algunas animaciones en 
producciones actuales que se hacen así incluso en 
producciones de 3d, los folios que se usaban contaban con 
poco gramaje  para poder ver a través de ellos y usar como 
referencia otros dibujos. 
125 
 
El tamaño de estos folios  era de una A3 para 
contar con buena resolución y que sean cómodos de 
manejar, se dibujan encima  de una mesa de luz que es tan 
simple como un tablero con un agujero y una plancha o 
cualquier material semejante para dejar pasar la luz y 
facilitar al ver a través del  papel sobre este tablero 
también van pegados los pivotes los pivotes son una pieza 
Figura 58 
Animador flipando sus dibujos sobre la mesa de luz  
 
Nota. Esta imagen muestra la forma en la que trabajan 
animadores y artistas con sus herramientas de trabajo Fuente: 
https://lc.cx/7WoBG1 
126 
 
con tres pines espaciados que sobresale un encajan los 
agujeros que se realizan a los folios donde vamos  a estos 
agujeros se hacen para alinear los dibujos y para evitar que 
se muevan mientras dibujamos, a la hora de trazar se usan 
lápices que no ensucien mucho aunque también va en 
gusto del artista. 
Con la llegada de los escáneres se empezaron a 
usar lápices azules para hacer un dibujo más sucio y luego 
se repasaban con lápices negros, esto se hacía porque el 
scanner no detectaba bien el azul y así se quedaba 
solamente con la línea repasada.  
127 
 
Antes de empezar a animar un plano, la persona 
encargada a hacerlo necesita cierto material para poder 
llevarlo a cabo, en fases previas de la producción se 
realiza tanto de storyboard como layout. 
En el storyboard se define el encuadre que vamos 
a tener, así como la acción, mientras en el layout ya 
teniendo el fondo final que se va a usar en ese plano 
apuntamos el encuadre marcamos las poses básicas y el 
Figura 59 
Boceto de Mickey Mouse  
 
Nota. Se eligió esta imagen con trazos color azul para ver cómo 
se trabajaba antes de entintar. Fuente: 
https://www.pinterest.com.mx/pin/70437479924301/ 
128 
 
movimiento de cámaras si es que lo tiene, el animador 
tiene la posibilidad de contar con vídeo referencia o no.  
Antiguamente se rodaba la película con actores 
para usarlos de guía incluso en algunas ocasiones 
directamente dibujando sobre las fotografías copiando sus 
movimientos, hoy en día lo normal es que la vídeo 
referencia la haga el propio artista, la video referencia aun 
así es optativa según crea conveniente saber qué va a 
realizar el plan o puede decidir no hacerlo. 
Figura 60 
Ejemplo de cómo se dibujaba sobre la video referencia  
 
Nota. En este caso sobre la película de Alicia en el país de las 
maravillas. Fuente: https://lc.cx/S2uRaK 
129 
 
El model sheet también conocida por hoja de 
modelo es una línea de estilo y poses  de un personaje, en 
esta guía está claro cómo se debe dibujar el personaje y 
cómo no se deben ver,  sus proporciones correctas y 
volúmenes cómo ríe, cómo se enfada, llora, cómo 
gesticula cada estado de ánimo que vamos a necesitar, el 
model sheet suele llevarlo a cabo una  persona encargada 
de supervisar la animación de ese personaje y así 
conseguir que todos los  artistas consiguen unificar el 
estilo en el dibujo. 
Figura 61 
Model sheet de Marge Simpson, de la serie de los Simpson.   
 
Nota. Con esta imagen vemos tamaño y formas de cada parte 
para trabajar, Fuente: https://lc.cx/BoZ_fF  
130 
 
Por último, si los personajes hablan tendríamos el 
audio del plano, cuando hay audio en un plano el 
animador debe escucharlo repetidas veces para anotar 
todas las sutilezas que contiene, el sonido, cada pausa para 
respirar, variación de tono, volumen o la forma de 
pronunciar desde el personaje para hacerlo más creíble.  
Para todo esto debemos ver el tiempo de 
producción, lo que se tarda un animar un  plano o una 
película, cambia en cada caso y es muy particular, el 
departamento de producción comúnmente se reúne con la 
persona encargada de supervisar la animación y así, plano 
por plano, la cantidad de tiempo que  exista en cada plano 
varía según ciertos factores, puede ser la duración del 
plano, si el plano  dura mucho es normal que se le asigne 
más tiempo ya que salvo ciertas instrucciones habrá que 
dibujar más poses. 
131 
 
El siguiente factor es el número de personajes que 
intervienen, cada personaje tiene un diseño y proceso en 
sus acciones en ocasiones dentro del mismo plano si los 
personajes no interactúan entre ellos se dividen las 
animaciones de los personajes entre diferentes 
animadores. 
El otro es la parte sonora, si tenemos personajes 
hablando tendremos que realizar una buena animación 
facial que encaje con ese audio y esto requiere de más 
tiempo, otro es la dificultad de la acción, aunque el plano 
pueda durar mucho o que salgan muchos personajes, si 
estos están parados no requerirá mucho tiempo lo 
contrario si tenemos un plano con mucho dinamismo 
puede llevar días animar los pocos fotogramas. 
La calidad es el factor más determinante y está 
ligado continuamente al presupuesto que hay para realizar 
132 
 
la obra, está claro que lo detallado que nos podemos poner 
a la hora de supervisar siempre va a depender del tiempo 
y calidad del artista que realiza la obra. 
Si no tenemos un presupuesto acorde a los sueldos 
que podemos pagar no se puede esperar que vengan 
artistas experimentados y con nivel al estudio, aunque 
tengamos pocos artistas si otorgamos poco tiempo para 
cada tarea no se puede esperar un gran resultado, aunque 
Figura 62 
Ejemplo de distintas bocas 
 
Nota. Esta biblioteca se usa para lipsync de personaje. Fuente: 
https://lc.cx/dglIrB 
133 
 
con ciertas tecnologías se agilizarán los procesos, el 
tiempo debe ser acorde con el trabajo solicitado. 
Una opción muy extendida en producción es que 
si el presupuesto está ajustado se puede optar por estilo de 
animación que requieran de menos poses y un diseño de 
personajes más sencilla y así ahorrar en tiempos. 
El motion blur, cuando grabamos con una cámara 
el desenfoque de movimiento o motion blur se produce 
porque al grabar los objetos no están completamente 
quietos esto tiene que ver con la velocidad de obturación 
de la cámara, si estamos grabando a una baja obturación 
veremos más desenfoque de movimiento mientras si lo 
hacemos con una alta velocidad de obturación 
obtendremos menos desenfoque del movimiento, es por 
eso por lo que los vídeos a cámara lenta también cuentan 
con mayor nitidez. 
134 
 
En la animación 2d no tenemos el desenfoque del 
movimiento natural que ocurre cuando grabamos con una 
cámara ya que estamos haciendo fotos independientes que 
luego serán reproducidas. existe una forma de obtener el 
motion blur que permiten mayor control al artista de 
animación esto es lo que se conoce como Smears, una 
smears es un fotograma de animación en el que se intenta 
simular este movimiento ya sea dibujando en la 
trayectoria del elemento que se mueve o duplicando el 
mismo para generar la sensación de velocidad, 
normalmente se coloca en uno o dos fotogramas para que 
no sea del todo visible pero sí que lo percibamos 
inconscientemente.  
135 
 
Con todos estos aspectos es con lo que logramos 
generar una animación 2D bastante convincente ya fuera 
de eso entra el diseño de personajes ya que cambia con 
cada ilustrador artista y animador, pero, así como los 
principios de animación tiene estas reglas de cómo 
hacerse para tener un producto mejor hecho. 
Animatrópolis. (1 de abril de 2021).  Animación 2D ✏️ Lo que 
NECESITAS SABER 👁 [Archivo de video]. YouTube. 
https://lc.cx/JgYSlY 
Figura 63 
Ejemplo de smears con el personaje de bugs Bunny  
 
Nota. Se uso esta imagen para entender mejor la deformación 
del personaje. Fuente: https://lc.cx/LZEb2P  
 
136 
 
Animación 3D. El otro pilar de animación es el 
3D este a diferencia del 2D tiene la cualidad que sí 
presenta una profundidad y la luz que afecta en ellos tiene 
más elementos físicos que simulan la realidad. 
El objetivo de los animadores 3D es mover los 
objetos y personajes de una escena determinada de la 
forma más realista posible. Puede crear el personaje de 
dibujos animados perfecto, pero si sus movimientos son 
torpes, desiguales o robóticos, todo su trabajo se irá por el 
desagüe. Por eso, los animadores dedican bastante tiempo 
a estudiar los principios básicos del movimiento para que 
sus animaciones sean creíbles. Esto es lo que comparte 
con el 2D se basa en los mismos principios para generarlo 
lo más real posible. 
137 
 
Proceso y construcción del 3D. Para la realización 
de una animación 3D en este caso de una película 
debemos hacerlo conforme a las películas normales, con 
sus fases de producción iniciando con la preproducción, 
la producción y la postproducción en los cuales algunos 
se pueden repetir con el proceso y la construcción del 2D. 
Figura 64 
Personaje 3D con todas sus vistas, del “ESI”   
 
Nota. Con este personaje podemos ver vistas y los polígonos 
que ocupa Fuente: http://heidycurbelo.blogspot.com 
138 
 
Iniciamos con la preproducción en esta primera 
fase nos encargaremos de la historia, ver qué es lo que 
queremos contar desde la idea principal o ya en el formato 
de guión que es la versión escrita y literaria, en esta 
podemos poner los movimientos, diálogos, entorno y 
situaciones que acompañan a nuestro personaje y el 
tiempo, con esto podemos pasar a la parte visual de la 
película en este se toma la misma idea que en el 3d 
teniendo un concept art de los personajes una idea visual 
de cómo son y sus ánimos con esto se verá la parte final 
del personaje colores y vestimenta. 
139 
 
Teniendo esto pasamos al storyboard que son 
dibujos de poses claves acomodadas para poder ver cómo 
se contará la historia, en esta parte los productores y 
directores se pueden dar una idea de cómo puede ir 
quedando la película, poder ver los tiempos o si necesita 
quitar alguna parte que pueda sobrar. 
Figura 65 
Story board de la película “toy story” 
 
Nota. Se uso esta imagen porque se coloca, quien lo hace y la 
página o secuencia que se esté acomodando. Fuente: 
140 
 
Básicamente en esta primera parte se debe de tener 
claro qué es lo que queremos contar con lo que vamos a 
utilizar para tener todo conectado y también tener las 
cosas simples para cuando se presente un cambio poder 
hacerlo desde aquí porque al hacerlo en la parte de la 
producción perderá tiempo esfuerzo y sobre todo 
presupuesto. 
Teniendo lista esta primera parte pasamos a la 
producción con esto se comienza a crear todo aquello que 
fue planeado antes convirtiendo nuestros personajes en 3d 
y dando vida a los diferentes planos. 
141 
 
El primer paso que se da en esta categoría es pasar 
el storyboard de 2D a 3D de forma simplificada a esto se 
lo conoce como el layout y en un principio puede que no 
se vea del todo bien, pero es eso el punto solo verlo de 
manera rápida, los animadores del layout son los 
encargados de la puesta en escena y poder medir los 
tiempos ajustar los encuadres y animar el movimiento de 
las cámaras y las poses claves de los personajes. 
Figura 66 
Layout de la película “big hero 6”, (2014) 
 
Nota. Se escogió esta imagen para mostrar cómo se ve el 
proceso de layout. Fuente: https://lc.cx/Flv_l8 
142 
 
En otro departamento entra el modelado y 
texturizado de los personajes que antes estuvieron en 2D 
los artistas del modelado se encargan de los personajes 
escenarios y los texturizadores se encargan de darle color 
y texturas a los entornos. 
Ya que tiene los modelos de todos los personajes 
se manda a otra persona está encargada de generar el 
rigging de los mismos, el rigging es la estructura de 
huesos para poder generar las poses y las animaciones de 
los movimientos que tendrá cada personaje, la persona 
encargada de esto principalmente debe saber programar, 
saber de anatomía y de animación ya que debe de entender 
cómo se mueve y comporta cada extremidad y los pesos 
que debe manejar cada hueso. 
143 
 
Con esto terminado llegamos a la animación y es 
darles vida a los personajes, pero no solo es que se 
muevan, si no que deben moverse de acuerdo con su 
personalidad, emociones y sentimientos con esto cada 
movimiento debe estar calculado y medido, en esta parte 
al igual que con el 2D los animadores usar la video 
referencia actuando cada escena para ver las acciones que 
tiene que tener el personaje. 
Figura 67 
Rigging de un caballo. 
 
Nota. Con esta imagen podemos ver los elementos que se 
mueven del caballo y cada controlador. 
Fuente: https://lc.cx/p92rfK 
144 
 
Con esta listo estamos completos para entrar a la 
última fase la postproducción con lo que le daremos los 
últimos detalles al proyecto, comenzamos con los VFX y 
simulaciones que son los efectos especiales en las 
películas, las simulaciones de agua, humo, fuego o incluso 
la gravedad del pelo son parte de estas simulaciones, en 
este departamento aparte de crearlos deben de hacerlo 
convincente en la película. 
Para las simulaciones de pelo en específico los 
estudios han creado programas para ayudar y entender de 
mejor manera el cómo funcionan los cabellos de un 
personaje como se mueve dependiendo la situación, lo 
dinámico que es con aire agua o con movimiento rápidos 
del mismo personaje. 
145 
 
Después de eso entramos al apartado de luz donde 
los iluminadores están encargados de dar luz en la escena 
esto con ayuda de diferentes técnicas volumétricas, el uso 
de mapas de normales y sobre todo de la refracción en los 
objetos, para que quede acorde a el ambiente que maneja 
la historia. 
Figura 68 
Ejemplo de la simulación del pelo del personaje Moana 
 
Nota.  Al ser pelo chino, tienen que ser varias capas para poder 
identificarlo. Fuente: https://lc.cx/e6dVLV 
 
146 
 
La mayoría de los trabajos se usan a partir 
departamentos separados y en el área de composición se 
encarga de unificarlos para que todos los elementos se 
integren en ocasiones ayudan a la corrección de 
variaciones de color y luz entre fondos y personajes, 
calcular la profundidad de campo y en este caso poder 
manejar el desenfoque de mejor manera. con códigos 
específicos generar el motion blur para mayor realismo. 
Al final como en toda producción la edición cierra 
con este trabajo juntando todo lo que hicimos juntando 
efectos de sonido, voces, música y todo cuadrado por 
escenas y planos.   
Con esto terminamos el proceso y construcción del 
3D, si existen diferencias al 2D, pero funcionan para 
comunicar o expresar algo, que primordialmente es el 
objetivo en este caso se debe tener un mayor conocimiento 
147 
 
sobre programas y diferentes técnicas ya que los 
departamentos pueden llegar a ser más complejos pero 
que cada uno funciona para dar mayor calidad a los 
trabajos, ya sea una película, cortometraje o un comercial. 
2.9.1 El cambio en la industria 
En un acelerado proceso que tuvo lugar a lo largo 
del siglo XX, la imagen pasó de construirse 
mecánicamente a hacerlo digitalmente, consolidándose 
por el camino el origen tecnológico de la misma. 
Simultáneamente a dicho proceso tecnológico, tuvieron 
lugar aportaciones estéticas igualmente trascendentes que 
configuraron la imagen bajo nuevos supuestos que poco 
tenían que ver con la tradición de la imagen monofocal 
heredada del invento de la perspectiva en el 
Renacimiento. 
148 
 
La intersección creativa de los nuevos 
presupuestos estéticos con las tecnologías asociadas a la 
evolución de la imagen en movimiento produciría los 
fenómenos artísticos que estuvieron en el origen de la 
conformación de lo que, con la llegada de la tecnología 
digital, se constituirá como los motion graphics. 
Este proceso paralelo que es tanto conceptual, por 
la formación de nuevos conceptos sobre lo que se pasó a 
entender por imagen, como tecnológico, ya que con ella 
se configuró el camino de la nueva imagen tecnológica, 
no fue en absoluto lineal. Así como el desarrollo 
tecnológico tuvo como motor las exigencias de una cada 
vez más poderosa industria cinematográfica, los nuevos 
conceptos de la imagen tenían muchas dificultades para 
materializarse cuando se trataba de hacerlo por medio de 
la imagen en movimiento.  
149 
 
La industria de la imagen fue creando los 
instrumentos tecnológicos al servicio de las exigencias de 
un creciente mercado de la imagen, cuyo objetivo era la 
consolidación de una determinada manera de entender la 
imagen, y cuyos orígenes estaban plenamente 
emparentados con la tradición de la imagen monofocal 
precedente. De esta contradicción surgirían las 
dificultades para la consolidación de los motion graphics 
durante el período analógico de la imagen en movimiento, 
que solamente pudieron ser superados con la llegada de la 
tecnología digital.  
Tecnológicamente, el desarrollo vino de las 
demandas de la industria cinematográfica, que exigía unos 
efectos especiales cada vez más espectaculares por su 
capacidad de atraer público a las salas de exhibición. Con 
ello, el trabajo de laboratorio fue adquiriendo mayor 
150 
 
relevancia y se constituyeron, a medida que ganaban peso 
en la producción, lo que se conoció como efectos visuales 
dentro de los efectos especiales.  
Nació así el concepto de postproducción y lo que, 
con la llegada de la imagen digital, desembocó en lo que 
se conocería como composición digital. La imagen 
compuesta de los efectos visuales estuvo en el origen del 
nacimiento del software de composición, como el After 
Effects. La interpretación creativa de dicho software puso 
en relación la captación del mundo exterior –la realidad 
física que nos rodea– junto con el pensamiento –la 
realidad mental que configura cada una de las 
subjetividades–. De ambos mundos, tanto el físico como 
el mental, se nutrió la base creativa que configuró los 
motion graphics. 
151 
 
2.10 Definición de los Motion Graphics 
Para la parte de los grafismos en movimiento, 
mejor conocidos como Motion Graphics se refieren o se 
definen como aquel video o animación digital ya sea 
figuras geométricas, tipografía y demás elementos que 
puedan tener un movimiento haciendo más interactiva, 
presentaciones, exposiciones o gráficos multimedia.  
Al mismo tiempo poseen una estética particular 
que busca la sencillez y la elegancia al mismo tiempo una 
especie de minimalismo que dentro de sus líneas de 
movimiento y formas para comunicar, encontrando 
diferencias a otros tipos de animaciones. 
En varias ramas del diseño existen múltiples 
métodos para llegar a un resultado y los motion graphics 
no son la excepción dentro de lo que se define como 
motion graphics está la tipografía sintética, el stop motion, 
152 
 
el kinetic- motion graphics y las imágenes reales entre 
otros cada uno tiene un propósito y una forma del porque 
existen todo esto se verá adelante y desarrollado a fondo. 
El inicio de los motion graphics como tal 
comienza en 1960 por John Whitney, artista que trabajó 
en varias producciones y películas para Alfred Hitchcock, 
fue en Vértigo en donde se da registro del primer grafismo 
en movimiento dando efectos al título y el fondo que 
también tiene movimientos. 
Figura 69 
Poster de la película “Vértigo” de Alfred Hitchcock. 
 
Nota. Tiene elementos que son de los primeros en tener 
movimiento. Fuente: https://lc.cx/2e1Rhh 
153 
 
Se puede decir que Motion Graphics es el arte de 
combinar animación, diseño gráfico e imágenes junto con 
audio, para formar piezas digitales en movimiento que 
comuniquen una idea. Ayuda a transmitir esa idea a los 
espectadores de una manera fácil y eficaz. El motion 
graphics es anterior a la tecnología moderna que utilizan 
los cineastas hoy en día.  
Actualmente, está evolucionando hacia un arte 
más refinado, con infinitas posibilidades gracias a la 
disponibilidad universal de programas de software como 
After Effects y Cinema 4D. Con objetos, personajes y 
fondos ilustrados, los vídeos de Motion Graphics se 
mueven, interactúan y se transforman para contar una 
historia o explicar un proceso.  
Proporciona a los diseñadores un vehículo para dar 
rienda suelta a su imaginación. Facilitan el uso de 
154 
 
metáforas visuales para representar ideas que dan al 
espectador una perspectiva única sobre una historia, un 
producto o un servicio.  
Sólo la imaginación puede limitar el tipo de 
historias que puede contar un diseñador de motion 
graphics, o también conocido como Motion Designer. 
Títulos de películas, dibujos animados, presentaciones de 
marcas, displays de productos, stop motion, interfaces 
futuristas, textos en movimiento, videos explicativos. 
Todo con un fin significativo, captar tu atención. 
2.11 Bases de Motion Graphics 
Sabemos y como ya hemos visto los motion 
graphics son aquellos objetos que se mueven generando 
imágenes y efectos interesantes, pero, así como la 
animación tiene sus principios para ser más agradables a 
la vista y verse hasta cierto punto más realistas, los 
155 
 
grafismos en movimiento también tienen base para verse 
bien ya que no solo buscan impactar al espectador también 
debe tener una forma de hacerse, que sea limpia e 
impactante. con ello puede desarrollarse en distintos 
medios los cuales son los que nos interesan, pero que 
veremos después. 
2.11.1 Movimiento 
Lo principal es el movimiento, es la base de los 
motion graphics tienen esta propiedad que las diferencias 
de otras animaciones ya que sus objetos son los que se 
mueven con distintas propiedades, esto para hacerlo 
objetos más dinámicos.  
2.11.2 Posición 
Una de las primeras formas de generar 
movimiento es gracias a la posición, el cambio de 
posición en los ejes “x”, “y” o incluso en el eje “z” en el 
156 
 
caso del 3D ayuda a dirigir la mirada del espectador, poder 
seguir con la vista lo que queramos que vean, el hacer que 
el objeto ya sea título de película o un cintillo de noticia, 
entre y salga de la pantalla ayuda para mostrarnos datos 
importantes y así hacer que el espectador lo vea, funciona 
también para generar un ritmo visual un poco de la mano 
con el timing en la animación. 
2.11.3 Escala 
A través de los cambios que introducimos en la 
escala podemos obtener la sensación de que un objeto 2D 
tiene profundidad. Parecerá que viene desde muy lejos, 
que se acerca tanto a nosotros que nos podemos meter 
dentro de él, o que sale del encuadre por un lado de la 
pantalla. Esto combinado con el principio de posición, al 
variar la escala conseguimos la sensación de modificar la 
157 
 
distancia de un objeto con relación a otros, o respecto a la 
pantalla. 
2.11.4 Forma 
La forma gráfica en lo que busca definir un objeto 
o incluso un personaje, en este puede cambiar a ser 
figurativa o abstracta. cuando cambiemos esta forma en 
los objetos esta podría llamarse como una metamorfosis 
haciendo que unas formas se cambien a otras, esto igual 
que el ritmo que es similar al timing en animación, la 
forma o esta metamorfosis entra con el principio de 
animación pose a pose ya que tus fotogramas claves son 
aquellos en donde cambia de figura, que del mismo modo 
se pueden ver en una preproducción con el story board 
entendiendo como va a cambiar el objeto o la forma que 
tendrá.    
158 
 
También hay que tener en cuenta que la forma va 
ligada a otros conceptos como el color, la luz, la 
saturación, el tono, el brillo, o la textura. Todos estos 
parámetros también son susceptibles de cambio, son 
estimulantes y adquieren un significado o simbolismo, por 
lo que a través de la elección de unos u otros podemos 
empezar a transmitir parte del mensaje que deseamos. 
2.11.5 Tiempo 
El tiempo está enfocado a la velocidad a la que se 
mueven los objetos, nos ayuda a ver su peso y la fuerza 
con la que se mueve, en el caso de un personaje, su estado 
de ánimo o la intención de una acción, dependiendo del 
mensaje que se quiera comunicar. 
Es una característica principal ya que algo que 
tienen estos diseños animados es su dinamismo y la 
velocidad ya que todo busca moverse de forma constante 
159 
 
y rápida, así sea el mínimo detalle, pero debe tener 
movimiento. 
Pareciera obvio, pero es importante destacar que 
estos principios funcionan tanto en 2D como en 3D son la 
base para combinarlo con los principios de animación 
todo con el fin de comunicar y que sean de manera 
dinámica. 
La conclusión a la que llegamos en este capítulo 
es que se pueda entender el porqué se busca enseñar estos 
pasos en las escuelas tanto de diseño como en las de 
animación, cada paso ya tiene mucho tiempo de existencia 
desde su creación, pero desde ese momento se dio a la 
tarea simplificar conductas y elementos que acompañen a 
la animación siempre para poder hacerlo más amigable. 
Esto en el caso del diseño de personajes o para 
ideas de cortometrajes, pero también con cada principio 
160 
 
logramos dar cualidad a figuras, tipografías etc. Para 
hacer más dinámicas lo que se ven día con día en redes 
que es actualmente el medio que más se ocupa en 
publicidad y marketing. 
2.12 ¿Para qué sirven los motion graphics?  
Al igual que en el cine, desde que la tecnología 
avanzó, el motion graphics ha alcanzado la era más 
importante de su existencia hasta el momento. Internet, 
televisión, cine, aplicaciones móviles, videojuegos. todos 
cobran vida a través del motion graphics. Cada gráfico 
que ves en movimiento en cualquiera de estas plataformas 
es concebido por el trabajo de un Motion Designer. En 
todas las industrias creativas, el motion design es una de 
las habilidades más demandadas actualmente. 
161 
 
2.12.1 Formatos más usados 
Los límites de los motion graphics son tan amplios 
como los del diseño mismo. Lo mismo sucede con los 
estilos: podrás lograr efectos serios y elegantes o bien, 
divertidos y juguetones para ajustarse al mensaje que debe 
comunicar la marca o cliente. 
Infografías: Puedes destacar un dato, por ejemplo, 
una gráfica que va hacia arriba para llamar la atención 
sobre una tendencia. Los motion graphics pueden ayudar 
a comprender mejor una idea abstracta o compleja. 
162 
 
Logos: Destaca con color o movimiento el nombre 
de la marca u otro elemento visual como una forma o 
figura para hacerlo memorable. 
El logo es uno de los activos más importantes de 
la marca y es que es, y siempre será, lo primero que la 
gente vea cuando entre en contacto con ella. Con la 
extensión del mundo digital al universo de la marca, hacer 
Figura 70 
Ejemplo de ilustraciones utilizadas para animarse y crear motion 
graphics. 
 
Nota. Este Motion Graphic, hecho para Soa Aids Nederland, 
transmite un mensaje poderoso de una manera accesible a través 
de imágenes coloridas y atractivas. Fuente: https://lc.cx/s17hS3 
163 
 
que las mismas bailen y se muevan al ritmo de los nuevos 
tiempos es indispensable. 
Campañas: Si estás trabajando en una campaña 
con una información o una frase que debes destacar, 
añadir movimiento será muy efectivo.  
Figura 71 
Ejemplo de texto con figuras geométricas animadas. 
 
Nota. Fragmento sacado de un tutorial para realizar este efecto. 
Fuente: https://lc.cx/wZ9UWw 
164 
 
     
2.13 ¿Cuál es la diferencia entre animación y motion 
graphics?  
La mejor manera de explicar cómo los motion 
graphics y la animación son diferentes es verlos a través 
de las historias que cada uno pretende contar. Una 
animación es generalmente una representación visual de 
una historia con personajes y un argumento en el que las 
Figura 72 
Ejemplo de campaña de celebración de la independencia de 
México. 
 
Nota. Campaña que consistía en mensajes de varias festividades. 
Fuente: https://lc.cx/g9G5Fh 
165 
 
acciones se desenvuelven y luego se llega a una 
conclusión. Puede ser un corto o largometraje animado o 
una presentación con personajes animados que cuentan 
una historia informativa. 
El motion graphics es más bien para dar vida a 
algo que normalmente no la tendría. Por ejemplo, las 
formas dentro de una presentación o el fondo de un video 
explicativo. Otro uso del motion graphics es para explicar 
un proceso. Generalmente, un animador y un diseñador de 
motion graphics usarán muchos de los mismos programas 
de software, como After Effects y Photoshop. Sin 
embargo, hay sutiles diferencias en los papeles de los 
motion designers y los animadores en cualquier video 
animado en 2D simple.  
166 
 
Los animadores trabajan en las ilustraciones, 
como los personajes y el guión gráfico, mientras que los 
diseñadores de motion graphics trabajan en la puesta en 
escena. Cabe destacar que los programas usados tanto por 
los animadores como los motion designers, suelen ser los 
mismos. Pero no siempre es el caso, todo depende del 
proyecto en el que se trabaje. 
Figura 73 
Ejemplo de motion graphics de tipografías. 
 
Nota. Las tipografías son las más usadas en motion graphics. 
Fuente: https://www.pocko.com/talent/mat-voyce/ 
167 
 
Tipos y Ejemplo, los motion graphics tienen que 
ver con la explicación de conceptos difíciles e 
información concreta siempre y cuando existan 
animaciones de diferentes partes gráficas. Pero hay varios 
tipos de motion graphics, así que, a continuación, 
repasamos algunos de los más usados.  
Las presentaciones de películas, series y 
programas de televisión, compiten en ver quien tiene la 
presentación más llamativa y que transmita una o varias 
emociones. Por que como ya mencioné, el motion 
graphics trata de dejar un mensaje. Qué mejor forma de 
entretener que contando una historia, mostrando en forma 
gráfica, algo que veremos en mayor detalle si seguimos la 
serie o veamos la película. 
168 
 
Tipografía cinética es la técnica de animar un texto 
para transmitir emociones a través del movimiento. Esta 
técnica impone la importancia visual del texto por encima 
de todo y, para ello, es importante que éste se construya 
con líneas sencillas, capaces de expresar de forma 
dinámica y atractiva el contenido del corto.  
Figura 74 
Fotograma del intro de game of thrones  
 
Nota. Una de las series más conocidas por la trama de su 
historia. 
Fuente: https://www.artofthetitle.com/title/game-of-thrones/ 
169 
 
Es una forma de presentación cercana al videoclip 
que engancha al espectador, el cual se descubre leyendo 
el texto de la pantalla casi sin darse cuenta. Ese 
encantamiento que conduce al consumidor durante el 
proceso del mensaje, hace de la tipografía cinética una 
técnica muy interesante en publicidad.  
 
Figura 75 
Animación líquida en la palabra OK. 
 
Nota. una de las usadas en los motion graphics por su 
dinamismo. Fuente: https://dribbble.com/eduard_ov 
170 
 
Internet se ha convertido en el perfecto escaparate 
de este tipo de Motion Graphics, los vídeos corporativos. 
En ellos las empresas nos cuentan en poco más de un 
minuto cómo funcionan y qué servicios nos prestan. Los 
vídeos corporativos se caracterizan por su claridad a la 
hora de transmitir el mensaje y el atractivo de sus 
imágenes que ayudan a definir el carácter de la empresa.  
Resultan especialmente beneficiosos para aquellas 
empresas de las que no se tiene un conocimiento exacto 
sobre su actividad, para las que acaban de empezar, o las 
que no tienen una sede física. De este modo, a través de 
estos vídeos que suelen alojarse en su página web, se 
puede presentar con facilidad cuáles son sus propósitos y 
la misión de la compañía. Debido a que la demanda de 
estas piezas de Motion Graphics se ha multiplicado en los 
171 
 
últimos años, las empresas de publicidad han incorporado 
estos productos entre sus servicios. 
En poco más de un minuto nos cuentan cuál es su 
modelo de empresa a través de imágenes sencillas, una 
animación fluida y una voz en off capaz de comunicar la 
esencia y filosofía de las empresas.  
 
Figura 76 
Ejemplo de los motion graphics en el ambiente corporativo. 
 
Nota. Usado para el trabajo de oficina. Fuente: 
https://ikusee.tv/2016/04/20/motion-graphics/ 
172 
 
 Los Motion Graphics no siempre han estado al 
servicio de las grandes empresas, como ya hemos 
mencionado: se pueden encontrar en la red algunos 
trabajos diferentes, como los documentales que utilizan 
estas técnicas para ofrecernos resultados sobre estudios o 
investigaciones.  
Como es el caso de GSP multimedia en el video 
de “historia del medio ambiente”, tiene el uso de motion 
graphics en dibujos y pequeñas animaciones de posición 
todo hecho en una línea sobre fondo blanco para no 
interrumpir la vista, pero con ilustraciones claras para 
entender el mensaje. así mismo en otro de sus videos 
hablando de “Outlet Tolar” donde igual que el entero son 
iconos muy simples en este caso tienen dos colores, el rojo 
y el negro reforzado con efectos de sonido que ayudan a 
cliente a estar inmerso en la información que plantea. 
173 
 
Otra de las aplicaciones donde encontramos los 
Motion Graphics son las que tienen un carácter artístico, 
de manera semejante a los orígenes del Motion Graphics, 
cuando algunos artistas de vanguardia hallaban en la 
animación experimental otro campo de investigación.  
Estas nuevas manifestaciones de Motion 
Graphics, que recuerdan a las de los pioneros, están llenas 
Figura 77 
Escena de “Outlet Tolar” de GSPMultimedia. 
 
Nota. Este tipo como el corporativo funcionan de tutoriales para 
entender mejor las dinámicas de lo que se quiere mostrar. 
Fuente: https://www.youtube.com/watch?v=5B3cXq0q1ug 
 
174 
 
de elementos geométricos con un carácter muy artístico, 
donde las formas se mueven e interactúan al ritmo de la 
música, con la misma intencionalidad que la música 
visual. 
Cada vez más aparecen estudios que realizan este 
tipo de animaciones. Se ha extendido mucho el uso de esta 
técnica sobre todo por su capacidad a la hora de lanzar 
mensajes eficazmente, ya sea de consumo en publicidad, 
de resultados en investigaciones, o con fines artísticos 
para transmitir una idea. Si hacemos una pequeña 
búsqueda por internet podremos comprobarlo, ya que 
existen canales en Vimeo que muestran infinidad de 
trabajos de distinta índole utilizando Motion Graphics, 
175 
 
donde podremos encontrar hasta propuestas de 
matrimonio o invitaciones de boda. 
Con ello vemos que el uso del motion graphics 
tiene más de uno, puede entrar en varias partes y es ello lo 
importante y grandioso de este estilo que puede 
desarrollarse de muchas maneras y con programas 
completos, los motion graphics tienen mayor cabida en el 
mundo actual por la cantidad infinita que tiene cada uno. 
Figura 78 
Ejemplo de motion graphics artístico con más colores y una 
expresión más amplia. 
 
Nota. Sirve más con la experimentación. Fuente: 
https://lc.cx/iAeBOe 
176 
 
Además, que los motion graphics siempre se están 
actualizando y en una carrera que tiene que siempre estar 
a la vanguardia esta técnica siempre irá de la mano de las 
nuevas tecnologías haciendo explotar la imaginación y 
con herramientas muy sencillas de usar y que con ayuda 
de programadores cada vez surgen nuevas propuestas para 
tener este mejor control. 
2.14 Otros tipos de animación 
Hemos visto los principales estilos de animación, 
pero no son los únicos si bien los pilares son el 3D y el 
2D estas nuevas técnicas tiene la capacidad de ser 
combinadas para generar nuevos estilos o formas de 
comunicar mostrar una idea. 
También con la idea de que pueden ser explotadas 
de mejor manera para llegar al nivel del 2D y que tengan 
mayor reconocimiento del que actualmente tienen. 
177 
 
2.14.1 Stop Motion 
Para ser una de las animaciones no tan conocidas 
es una de las más ubicadas en este medio de la 
comunicación ya que en ella se han utilizado para contar 
grandes historias. El stop motion es una técnica de 
animación y vídeo que se caracteriza por la grabación en 
vídeo de imágenes, que son fijas, que grabadas unas tras 
otras van dando la sensación de que en realidad se está 
grabando una sola imagen que se está moviendo.  
Básicamente, esta manera de animar utiliza fotos 
fijas de objetos o de modelos sin animación, y se colocan 
juntas de forma que al reproducirlas todas a gran 
velocidad, proporciona una gran sensación de 
movimiento. Las escenas en las que los personajes 
participan se crean frame a frame, y los diseñadores 
mueven cada modelo centímetro a centímetro de forma 
178 
 
que pueden simular movimiento, líneas de diálogo y 
expresiones faciales. 
A pesar de que el trabajo de hacer películas con la 
técnica stop motion puede resultar tedioso y caro, las 
piezas resultantes son fáciles de crear y ejecutar como 
parte de una estrategia de vídeo. 
Figura 79 
Producción del largometraje de “coraline”  
 
Nota. Coreline del 2009 al igual que muchas del estudio laika 
son hechas en la técnica de stop motion. Fuente: 
https://cafeanimelair.com/2011/09/09/coraline-making-of/ 
179 
 
En un vídeo stop motion no solo aparecen 
personajes creados con plastilina o muñecos. Esta técnica 
de vídeo también puede utilizarse con vídeos en los que 
aparecen personas. Solo que entonces tiene una 
denominación concreta. 
A la creación de vídeos con stop motion en los que 
aparecen personas se la conoce como pixilación. Consiste 
en sacar fotos a una persona completamente quieta, con 
una postura para cada fotograma. El resultado hará que la 
persona o personas que se ven en el vídeo parecen 
marionetas, por sus movimientos.  
En esta técnica puede considerarse más 
complicada y la realidad es que en cierto modo sí por el 
nivel de detalle que tiene, aunque a diferencia del 3D este 
tiene la ventaja de que puede ser tocada se puede jugar 
con las texturas de una mejor forma. 
180 
 
2.14.2 Abstracta  
Es un estilo que nació en el siglo XVIII cuando el 
padre Louis Bertrand inventó el harpiscordio ocular, el 
cual emitía luces de colores junto con las notas. La 
animación abstracta, por su naturaleza, se aleja de las 
narrativas tradicionales que son dirigidas por una historia 
que se desarrolla con un principio, nudo y desenlace. Por 
el contrario, al tener una forma mucho más efímera es 
fácilmente comparable con la naturaleza de las obras 
musicales.  
Es por esta razón que es común encontrar 
representaciones de animación abstracta en conciertos de 
música o eventos de arte moderno. 
181 
 
Esta funciona muy bien con la forma de 
experimentación ya que al no tener una línea fija puede 
jugar con cualquier elemento, forma y movimiento, 
además que funciona en conjunto con el arte conceptual 
actual que puede entenderse de distintas maneras.  
 
Figura 80 
Animación de Cosmic Flower Unfolding del animador abstracto 
Ben Ridgway. 
 
Nota. Con este tipo de animación se puede probar con colores, 
formas, movimientos. Fuente: https://vimeo.com/102671169 
 
182 
 
2.14.3.3Rotoscopia 
 La Rotoscopia, por otro lado, es una técnica del 
cine de animación que consiste en redibujar o calcar un 
fotograma teniendo otro como referencia. Dicha técnica 
tiene más de 100 años de antigüedad, estando presente en 
varias películas de Disney, así como de otras muchas 
compañías. Hablaremos de esto más adelante. 
El artista que lleva a cabo la Rotoscopia dibuja una 
animación frame a frame. Esto se hace a partir de una serie 
de fotogramas grabados previamente con una cámara, 
redibujando sobre ellos a modo de calco, uno a uno. 
También puedes colorear sobre los frames, alterando el 
entorno y al personaje a su antojo. 
Esta técnica ayudó en su momento a darle mayor 
dinamismo a los personajes que se hacían, dotándolos de 
más realismo y hasta cierto punto de más alma. 
183 
 
 
Existen más técnicas, pero considere necesario 
solo colocar estas 3 ya que para el objetivo de la 
investigación son estas la que con ayuda de los motion 
graphics y trabajando en conjunto pueden generarse 
Figura 81 
Escena de la película “A Scanner Darkly” con la técnica del 
rotoscopio. 
 
Nota. Es una técnica lenta, pero con resultados impresionantes. 
Otro ejemplo es el videoclip “take on me” Fuente: 
https://www.espinof.com/criticas/a-scanner-darkly-rotoscopia-
salvadora 
 
184 
 
nuevas ideas con una carga emocional mucho más grande 
ya que todas y cada una de ellas van de la mano por su 
manera de realizarse y que a los estudiantes le dan más 
maneras de generar creatividad y formas de trabajar su 
imaginación.   
2.15 Medios que ocupa la animación y los motion 
graphics 
A lo largo de la historia hemos visto el desarrollo 
que tiene la animación en el público que la consume, sin 
embargo, en años más recientes se ha desvirtuado el uso 
de esta herramienta ya que actualmente se dice que la 
animación es un género, ya sea cinematográfico o de 
televisión, pero siempre con la misma idea, de que la 
animación es solo para niños ya que el mayor mercado y 
uso es hacia los más pequeños de las familias. 
185 
 
A pesar de esa idea y de que muchos en el mundo 
de la  industria piensen así, existe un grupo considerado 
de personas en los que se destacan directores y 
productores pero principalmente ilustradores y más 
específicamente animadores, que sostienen que la 
animación no es un género y mucho menos algo solo para 
los niños, ellos al igual que muchos otros diseñadores 
exponen en redes, la animación es una herramienta, un 
medio para contar una historia es una técnica más para 
poder narrar aquello que cada uno quiera expresar lo hace 
de manera más digerible sobre algunos temas pero aun así 
funciona para hablar de los temas que actualmente pesan 
y cuestan mencionar. 
Con esto puede llegar a un público más amplio un 
ejemplo es la película “Persépolis” (2007) una película 
hecha en animación de la novela gráfica del mismo 
186 
 
nombre en donde nuestra protagonista presencia la época 
del régimen del Shah y los abusos de poder del mismo dan 
para que Marjane tenga contacto con ideas políticas de 
izquierda. así como diferentes reglas impuestas por el 
gobierno que hacen que tenga que dejar el país esta novela 
gráfica ya cuenta con toda esa carga política y la película 
la muestra con estos mismos problemas haciendo que sea 
más conocido el problema y empaticemos un poco con la 
gente que vivió esos acontecimientos. 
Gracias a este tipo de películas como muchos otros 
productos hechos con animación nos damos cuenta del 
alcance que tiene este medio y que con las nuevas 
tecnologías logran hacer nuevos productos y más formas 
de transmitir una idea, y que con los grafismos en 
movimiento entran al mundo de las redes sociales para 
expandir el mercado a donde quieren comunicar las ideas 
187 
 
y los trabajos realizados por muchos animadores y 
artistas. 
2.15.1 Películas  
Ya vimos el impacto que logran las películas, el 
cómo han podido llegar hasta el punto de ser premiadas 
por los Óscar, la academia que premia lo mejor de lo 
mejor en la industria, a pesar de eso, ese es el principal 
problema que viene arrastrando el mundo de la animación 
ya que en estos premios se han llevado la estatuilla las 
películas de la compañía Disney. 
En muchas ocasiones los avances tecnológicos le 
han llevado a ganar, lo que es un gran impulso, pero que 
en ocasiones esto logro de mejor película solo ha sido por 
ser la empresa más grande y con ello es que la idea de que 
la animación es solo para niños se refuerza.  
188 
 
Pero si buscamos más adentro y por más adentro 
es ver afuera de lo que nos maneja las grandes industrias 
podemos encontrar películas que tienen un peso más 
adulto como lo vimos en el ejemplo de Persépolis pero 
que pueden ser sobre distintos temas, Disney se ha 
enfocado en sus últimas producciones a dejar de lado la 
idea de la vida perfecta de princesas. 
189 
 
Buscan ver más adentro con problemas que en 
muchas ocasiones vemos en nuestra familia y es eso, 
problemas familiares que destacas de depresión ansiedad 
y lograr estándares que a veces son imposibles, esto lo 
vimos en su película más reciente, Encanto, con esto nos 
damos cuenta del poder que tiene Disney y cómo puede 
hablar de diferentes temas si se abordan de la mejor 
manera. 
Figura 82 
Imagen promocional de la película “encanto”  
 
Nota. Una de las más recientes y con estrenos en pandemia. 
Fuente: https://lc.cx/vVJmIC  
190 
 
La animación entra en películas 100% hechas en 
esta técnica, pero también entra en momentos donde 
ayuda a la estructura de lo que quiere contar como un 
sueño, una idea de algo que se quiere hacer, y en el caso 
de los motion graphics han tenido mayor peso en estas 
producciones de gran alcance. 
Como hemos visto se puede usar el mundo de los 
motion graphics en títulos y créditos y esto busca ser algo 
importante en el desarrollo de la misma película es el 
primer intento te emocionar a las personas y en el caso de 
los créditos se ha hecho un arte el crear los mejores 
créditos con diseños en 3D que logran emocionar ya 
siendo lo último de la película o incluso lo primero con 
los créditos iniciales. 
191 
 
Uno que ha logrado generar esa emoción es 
Marvel studios, desde su inicio en 2008 empezó a hacer 
popular lo que se conoce como escena post créditos que 
ayudó en su momento a anclar más historias de lo que 
ahora es un universo cinematográfico bien cimentado y 
muchísimas producciones, pero con cada nueva película 
se conoció el uso de las escenas post créditos dando más 
contraste y buscando cada vez ser más grande, pero con 
Figura 83 
Ejemplo de varios títulos de películas. 
 
Nota. En su mayoría son trabajos animados. Fuente: 
http://www.lapausadelrender.com/tags/cine/ 
192 
 
enfoque de lo que trataba la película. también el inicio es 
importante y los créditos iniciales en cada película debe 
tener un peso y una carga que ya te adentré a la manera en 
la que será contada la película esto tiene un inicio desde 
los principios de los motion graphics que actualmente con 
el uso de tecnologías se ha logrado posicionar de mejor 
manera. 
Figura 84 
Cuadro de los créditos de “spider man No way home”  
 
Nota. Toda la filmografía de Marvel cuenta con motion graphics 
antes de los motion graphics. Fuente: 
https://www.youtube.com/watch?v=MSrfGyXnMc0&t=18s 
193 
 
2.15.2 Caricaturas y series animadas   
El gran pilar de la animación es el mundo de las 
caricaturas donde todos en algún momento de nuestras 
vidas nos hemos topado con este medio, las caricaturas 
siempre han buscado entretener a los más pequeños con 
colores llamativos y músicas muy amigables, pero con el 
paso del tiempo estas caricaturas han seguido existiendo, 
pero han logrado evolucionar sacando más formas de 
entregar el entretenimiento del tiempo libre. 
Muchos estudios y directores de animación se han 
encargado de hacer animaciones más adultas con temas de 
algún modo más complejos, pero con momentos graciosos 
haciendo que los niños se entretengan pero que los adultos 
puedan ver el trasfondo de estas caricaturas, el director de 
la caricatura “Gravity Falls” Alex Hirsch busca tener ese 
contraste, donde dos hermanos llegan a un pueblo siendo 
194 
 
cuidado con su tío pero que tiene muchos misterios. en un 
punto ya habla sobre otras realidades con elementos que 
ya son tomados por lo más grandes siendo esta un ejemplo 
muy claro de animación para todas las edades. 
A partir de esa entraron y existieron muchas más de las 
que puedo destacar “hora de aventura”, “más allá del 
jardín” y “Infinity train” estás siendo en la parte de los 
Figura 85 
Imagen promocional de la serie “Gravity falls” (2012 - 2016) 
 
Nota. Serie que ha generado fans en todo el mundo y de todas 
las edades, por lo que es un gran ejemplo de las caricaturas hoy 
en día Fuente: Disney plus.com  
195 
 
canales de TV, el streaming ha revolucionado también 
este mundo y con ello han logrado sacar caricaturas para 
todo público y que puede ser encontrado por cualquiera 
que indague entre las miles de posibilidades que te ofrece, 
en este caso caricaturas más adultas pueden entra 
“midnight gospel” y “corta por la línea” de puntos 
caricatura italiana que maneja varios temas de una vida 
solitaria y un poco en la depresión acompañada por una 
conciencia que dice aquello que todos pensamos. 
Figura 86 
Imagen promocional de la serie “corta por la línea”. 
 
Nota. Ahora cuenta con otra serie similar enfocada en temas 
políticos y de crecimiento laboral. Fuente: https://lc.cx/YsGGwj 
196 
 
En este medio de la caricatura también entra la de 
adultos, pero ya la que no es apta para todo público ya que 
en su mayoría hablan sobre actividades sexuales o sobre 
drogas y esto hasta cierto punto también llega a ser un 
detalle extraño ya que este tipo de caricaturas no 
profundizan en otros temas y solo se quedan en ese punto 
y las que son para más niños ya hablan de temas más 
maduros. 
El hecho que sean para adultos no necesariamente 
debe ser de temas que tengan excesos en drogas y ya si no 
que puede hablar de temas pesados que a todos en algún 
momento pasamos y que se pueda empatizar más con el 
personaje. 
En la serie “Bojack Horseman” (2014), tiene 
diferentes capas y a pesar de ser una caricatura con 
humanos con cara de animales tiene a caer en el cariño de 
197 
 
las personas por que trata temas que pueden considerarse 
profundos.  
 
 
Figura 87 
Imagen de “Bojack Horseman” 
 
Nota. Uno de los puntos que toca Bojack Horseman es la 
depresión, por lo que eso hizo mas popular.  
Fuente: https://lc.cx/3Kx56Y 
198 
 
2.15.3 Series  
Para cada capítulo se habla sobre la animación y 
sobre los motion graphics, en este ya se ha hablado sobre 
animación y en las series de tv y de streaming entran más 
los motion graphics, en estos dos los motion graphics se 
centran en los intros estos buscas tener el impacto para 
generar esa emoción de ver el nuevo producto, el más 
actual fue la presentación de la serie de los anillos de 
poder donde es una secuencia de distintos elementos de 
cómo se funden las letras del título acompañadas de humo 
fuego y agua, este anuncio logró emocionar a los fans que 
es el objetivo de hacer este tipo de contenidos. 
Cada serie busca ver cómo lo puede hacer puede 
ser un intro después de algún momento cómico que tenga 
o no relación con el capítulo de algún crimen que se 
desarrollará a lo largo del capítulo, incluso puede ser más 
199 
 
sutil como solo poner el título en algún fotograma para no 
interrumpir el flujo de la historia, y dependiendo el 
presupuesto puede ser algo hecho a mano o con diferentes 
elementos. 
En la serie the White Lotus de HBO Max tiene una 
secuencia de tapices que se pintan y en ocasiones se 
mueven sintiéndose como paredes de hotel que es de lo 
que va la serie, otra más rápidas es la serie de “el escudo” 
una serie de corrupción policiaca donde después de unos 
minutos de escena inicial corta para mostrarnos una placa 
de policía rota con el título “The Shield”, además que cada 
al inicio del capítulo se va cortando la escena cada 5 
segundos para mostrar el nombre de los actores en un 
fondo negro mientras el texto se mueve como si estuviera 
temblando, con esto refuerza el cómo está grabado con 
cámara en mano y ayuda a entender la serie, estos 
200 
 
ejemplos son dependiendo de la imaginación de cada 
motion designer. 
 
 
Figura 88 
Imagen del intro de la serie “The Shield”  
 
Nota. se escogió esta imagen como ejemplo ya que algo sencillo 
también funciona para generar un mensaje. Fuente: 
https://doblaje.fandom.com/es/wiki/El_escudo 
201 
 
2.15.4 Comerciales  
Para la parte de los comerciales entra en el ámbito 
televisivo en donde cada cierto tiempo tienen que llenar el 
tiempo con anuncios ya sea de otros productos o de 
contenido del canal, esto ha evolucionado con la forma en 
la que se maneja en redes sociales, sigue siendo un trabajo 
de captar la atención al cliente que ahora busca la rapidez, 
un comercial puede durar de 1 a 3 minutos pero si es algo 
que va salir en redes o en anuncios de YouTube cada 
cierto tiempo bajan el tiempo con el que se muestra la 
información. 
Los comunicadores motion designer deben tener 
esto en cuenta para que su anuncio de un minuto pueda 
servir y ser entendido en algo de no más de 7 segundo por 
la inmediatez de los consumidores así que buscar hacer 
202 
 
los movimientos más rápido o con mejor dirección ayuda 
a entender la idea principal.  
2.15.5 Televisión  
La televisión ha sufrido una serie de grandes 
cambios desde que se creó, pero con todo y eso ha logrado 
mantenerse en los hogares, pero con las nuevas 
Figura 89 
Imagen de la campaña otoño-invierno de andares   
 
Nota. Se escogió esta imagen como ejemplo de motion graphics 
en comercial con elementos de recorte. Fuente: 
https://lc.cx/mjo9Uy 
203 
 
tendencias, en este caso el uso de animaciones cortas ha 
ayudado a que el espectador se sienta más actualizado y 
que distintas cosas tengan mayor recepción. 
En la televisión se pueden ver distintos elementos 
que buscan lo ya antes mencionado y en estos es en como 
un uso correcto de los motion graphics puede tener un 
impacto correcto y el conocerlos y saber cómo hacerlos es 
lo que ayuda a generar nuevas ideas en la animación 
además de películas o series animadas. 
Cortinillas. Se trata de un pequeño segmento, que 
permite identificar el inicio de un programa; el cambio de 
una sección a otra; salida y entrada de comerciales o el 
cierre. Su duración por lo general es de 10 o 20 segundos, 
en caso muy extenso de 30 segundos.  
Puede ser solo el nombre del programa o sección 
con un fondo musical. En el caso de aquellas destinadas a 
204 
 
la radio suelen estar compuestas solo por música, mientras 
que el estilo deberá corresponder con el formato del 
programa y el corte que tenga. 
Este recurso puede cumplir funciones 
gramaticales, es decir, cuando su extensión es de máximo 
4 segundos, podría equivaler a un punto seguido. Entre 
tanto, aquellas superiores a 8 segundos serían similares a 
un punto y aparte. 
Figura 90 
Cortinilla para comerciales  
 
Nota. Cada cortinilla cambia dependiendo el uso que tenga. 
Fuente: https://lc.cx/V4MSCw 
205 
 
Cintillos. Este es un anuncio que va en la parte 
baja de la pantalla en ocasiones puede ser  en la parte 
superior ya que es una cinta que contiene información de 
una marca que puede ser leída rápido por el público, pues 
salir de forma muy simple pero dependiendo el nivel de 
detalles que tenga será la forma de captar mejor al 
espectador ya que la animación de estos cintillos es lo que 
genera que alguien baje la cabeza para ver lo que se quiere 
anunciar, el tiempo de duración de este formato es de 
máximo 10 segundos para no interrumpir demasiado lo 
que se está viendo.   
Figura 91 
Cintillo de un fertilizante colocado en un partido de Fútbol. 
 
Nota. Se usan en deportes ya que es lo que se ve en las familias. 
Fuente: https://lc.cx/wus7JI 
206 
 
Entradas. Pueden ser consideradas cortinillas ya 
que van entre programas, lo que cambia en este formato 
es el hecho de que en las entradas se anuncia algún 
programa o lo que sigue en la transmisión. Son mensajes 
escritos en pantalla o leídos, que permiten al espectador 
conocer información de la programación. Por ejemplo: «A 
continuación…», «Estamos viendo…». También puede 
tener la información del canal en caso de que se esté 
viendo por primera vez. 
Figura 92 
Entrada de programa en la televisora “América” tv portátil. 
 
Nota. Al igual que las cortinillas, las entradas tienen elementos 
de la televisora, colores y tipografías. Fuente: 
https://www.facebook.com/eventosmoquegua/ 
207 
 
Identificador. Este es el sello del programa el que 
se muestra en alguna de las esquinas de la emisión se lo 
conoce en algunos casos como “mosca” ya que es una 
imagen que se queda fija en la esquina sin desaparecer y 
sin ningún cambio, en esto es donde entran los motion 
designer con movimiento ya sea de entrada y salida, así 
como algunos durante la transmisión esto hace que 
funcione más en la emisión, aunque no sea algo que tenga 
gran importancia muchas veces se busca que tenga ese 
identificador. 
Figura 93 
Identificadores de distintos canales en la televisión mexicana. 
 
Nota. Esto ayuda para que el espectador sepa que ve o donde 
encontrarlo Fuente:https://selectra.mx/tv/abierta 
208 
 
En conclusión, cualquier idea ya sea en animación 
o en motion graphics tiene un proceso muy similar, 
debemos conocerlo para entender el proceso de películas, 
cortometrajes entre otros productos audiovisuales, y el 
conocer cuáles son los principales usos en TV nos ayudan 
a enfocarnos en aquello que tiene mayor interés para cada 
uno de nosotros como diseñadores o como estudiantes 
para ver en que trabajar más para poder trabajar en un 
futuro de ello.  
 
 
 
 
209 
 
Capítulo III. Marco metodológico 
Ahora que entendemos todo desde un punto de 
proceso, estructura y principios, debemos analizar toda 
esta información para que sea vaciada de una manera 
asertiva, como proyecto final la mejor forma en la que 
podemos expresar todo el conocimiento adquirido es con 
un video o serie de varios videos pero que para uso 
practico de esta investigación se planearan los temas, ya 
que este es la herramienta principal de miles de 
estudiantes que quieren aumentar su conocimiento en 
áreas del diseño como en áreas de animación. 
3.1 Hipótesis 
A continuación, se presentarán las hipótesis del 
trabajo de investigación para lograr sacar las diferentes 
conclusiones sobre la propuesta del tema. 
210 
 
Como hipótesis del trabajo de investigación a 
partir de la propuesta de una nueva forma de trabajar la 
animación enfocada de los motion graphics se encontrará 
una mayor aceptación en el trabajo de los alumnos y mejor 
comprensión de los principios de animación. 
Como una variable en la hipótesis entra la parte del 
trabajo de investigación donde en entregarlo, dará al lector 
mayor conocimiento de la animación, su historia, la forma 
en la que se crea, donde se junta la parte de animación y 
motion graphics. 
Así mismo tener una serie de videos que sea la 
herramienta que ocupen los estudiantes y maestros para 
tener el conocimiento de la animación y de los motion 
graphics, como también su uso más importante en el 
ámbito de la hipermedia. 
211 
 
3.2 Metodología 
En el siguiente apartado se explicará la 
metodología que se ocupará en la investigación para 
mejorar su forma de explicar cada tema, como de la 
metodología usada para el proyecto. 
El presente trabajo de investigación cualitativo de 
tipo explorativo ya que se va a estudiar la animación y 
como puede ser una herramienta en la enseñanza.  
Así mismo la metodología que será para la parte 
del proyecto y la propuesta final que se busca trabajar 
será, la metodología del diseño de Bruce Archer, como él 
lo conoce, el método sistemático para diseñadores ya que 
con él los pasos serán exactos y podrán identificarse de 
mejor manera en el proyecto.  
212 
 
Para esta parte en la que ya es el proyecto como tal 
es en donde utilizamos el método sistemático para 
diseñadores de bruce Archer, sus distintas fases entran en 
las mismas faces de la producción de los diferentes 
episodios.  
La primera fase, que es la analítica, lo primero que 
se ve es la recopilación de datos que es lo que se ha visto 
en los capítulos anteriores, después el ordenamiento y 
evaluación que en este caso es el cómo se ha mostrado la 
información por lo que cada apartado esta ordenado. Lo 
siguiente es definir las condiciones y lineamientos que en 
este caso es la animación y el motion graphics ya que son 
los parámetros que siguen a toda la investigación, por 
último, la estructura y jerarquización que es igual el orden, 
pero en este caso el orden de cómo serán mostrados y el 
proceso que llevara este proyecto. 
213 
 
La segunda fase es la creativa donde ya entra como 
tal los puntos a seguir para la investigación, su primer 
punto es las implicaciones donde se establecen los 
alcances y limitaciones del proyecto en este caso es hacer 
videos animados su principal limitación es el tiempo de 
realización de cada uno, lo siguiente son las ideas rectoras 
que se verá en la preproducción del proyecto, así mismo, 
la toma de partida y la formalización de ideas donde se 
escogen las mejores ideas y se trabajan más a profundidad 
en ellas.  
Y por último la parte, la fase de la ejecución, en 
esta fase entra la parte de la entrega del proyecto las 
valoraciones del trabajo y en el mejor de los casos la 
aceptación de propuestas sin embargo esta parte queda sin 
muchos puntos ya que la forma de entregar el proyecto y 
214 
 
estudiarlo sería algo que conlleve tiempo y por lo tanto se 
trabajaría después. 
Con esto mencionado ya podemos trabajar con el 
proyecto como tal sabiendo que se realizará un tráiler con 
el fin de mostrar lo que se verá en los distintos capítulos. 
Actualmente existen varias plataformas con 
contenido que sirven de inspiración en estudiantes 
teniendo en ellos contenido de varias ramas del diseño, 
entre estas plataformas existe YouTube, un sitio web que 
se dedica principalmente a compartir videos, ya sean 
videos musicales, en sus inicios videos graciosos y en la 
última década se ha hecho un sitio con grandes 
oportunidades para enseñar sobre algún tema, si algo por 
muy pequeño que sea como el borrar una hoja en blanco 
en Word puede ser explicada en un tutorial, estará en 
YouTube. 
215 
 
Teniendo esto en cuenta el proyecto, serán varios 
videos, explicando de manera concreta lo que se vio a lo 
largo de este proyecto de investigación. abordando toda la 
estética que tiene este proyecto, todo explicado y 
mostrado teniendo en cuenta lo visto del primer capítulo, 
los elementos de la comunicación visual, el hacer el video 
con los las funciones del mensaje no solo ayudará a que el 
espectador logre verlo y entenderlo si no que también se 
podrá usar lo explicado en ese primer capítulo siendo un 
doble ejemplo, uno con el tema de la animación ya sean 
de los principios o de las características y el otro con la 
ayuda de la comunicación visual y como puede ser 
aplicada en un trabajo. 
El video tutorial busca ser la herramienta que 
pueden tener los profesores para ayudar a sus alumnos a 
entenderla ya sea que lo tomen como referencia de una 
216 
 
clase en donde vean el video y después se realicen 
preguntas o que sea la base de estudio que el video ayude 
a que y como deben de enseñar la animación y los motion 
graphics. 
Se verá en cada semestre o cuatrimestres de 
pendiendo de cada profesor que imparta la materia de 
animación y que también los alumnos o gente que no está 
estudiando puedan verlo para entenderlo y que sea un 
recurso que pueden revisitar al momento de tener alguna 
duda en un término o proceso.  
 
 
 
217 
 
Capítulo IV. Episodios 
Toda producción desde la más pequeña como un 
cortometraje o un cine minuto hasta producciones grandes 
como películas cuentan con un proceso, una serie de pasos 
que ayudan a los involucrados a entender mejor el 
proyecto y saber que tiene que hacer cada uno, es decir, 
con estos procesos se ve hacia donde será dirigido el 
proyecto y que todos estén en la misma línea.  
De forma general está la preproducción, 
producción y postproducción que son los pasos que pasa 
cada proyecto de hipermedia cada uno con pasos a 
realizar, pero para este proyecto nos enfocaremos en la 
preproducción que son los elementos como colores, 
tipografías y elementos que acompañaran a la animación 
y a los personajes para que puedan dar los temas que 
queremos tocar. 
218 
 
4.1 Preproducción 
Al momento de buscar animación o tutorial 
pueden salir pocos resultados para entender que se quiere 
buscar debes de buscarlo con los términos que quieres 
sabes, como poner una textura, cómo funciona la interfaz 
de un programa o saber que significa algún término, en 
esto se pueden perder muchos alumnos ya que no saben 
qué buscar o como buscarlo por ello los videos se 
enfocarán en todo lo principal en el área de la animación.  
Para que el video sea más llamativo, entretenido y 
que no sea tediosa la información se usará la ayuda de un 
personaje que explique los diferentes temas, hoy en día 
muchos videos solo tienen la voz en off del creador del 
video acompañado de imágenes referentes al tema que se 
está explicando, esto puede funcionar pero muchas veces 
se pierde la concentración del espectador, que en este caso 
219 
 
es el alumno, en redes sociales se ha visto que la atención 
de los que ven las publicaciones es de un segundo por lo 
que debes de llamar la atención en el primer segundo con 
algo llamativo. 
Siendo un tema bastante extenso se realizarán una 
serie de videos ya que hacerlo en uno solo podría ser 
tedioso y muy cansado para los alumnos, sin embargo, 
hacerlo en 3 o 4 partes puede aligerar la carga poder 
entender los temas y regresar a algún punto que quieran 
retomar sin ningún problema. 
Cada capítulo de los video tutoriales se enfocará 
en los capítulos hechos en esta investigación, el primero 
contando la historia de la animación enfocada en los 
avances de ella, el segundo sobre los principios de la 
animación y de los motion graphics y el tercero de los 
220 
 
procesos que tiene la animación 2D y 3D, un cuarto 
capítulo con los medios que ocupan los motion graphics. 
En este regresamos a temas del primer capítulo 
como lo es la comunicación visual poder explicar que todo 
lo aprendido y explicado debe tener una función y una 
forma de comunicar, conociendo que cada animación o 
proceso por pequeño que sea tiene un mensaje y que 
existen varios tipos esto para que cada idea sea pensada 
desde el punto de comunicar, esto por la idea de que va a 
estudiantes de comunicación visual y aunque ya deben de 
tenerlo  claro el reforzar la idea ayudará a 
entregar  mejores trabajos. 
4.1.1 Personajes 
Lo primero que se busca como en cada proceso de 
animación es el desarrollo de personaje, este es el que dará 
la pequeña introducción y estará a lo largo del video como 
221 
 
acompañante o el que explique cada proceso. la primera 
idea que se tuvo fue hacerme en personaje animado ya que 
seré en narrador de cada video. 
Si bien tengo mi rostro de forma animada este solo 
forma parte de mi imagen en redes sociales busca ser un 
identificador, pero la idea de hacer un personaje es poder 
tener como un personaje secundario una mascota o 
alguien que sea más llamativo a los que vean los videos. 
Henry. Con el punto de que sea una mascota se 
pensó en usar a “Henry” un personaje que había hecho 
para trabajos de animación posteriores, Henry es un gato 
antropomórfico al estilo de caricatura de rubber hose, 
inspirado en el personaje del estudio Fleischer “Bimbo” 
que igual él es un perro antropomórfico que surgió en los 
años 30´s, con ello el sería el que presenta cada punto. 
222 
 
 
Figura 94 
Ilustración de bimbo el perro. 
 
Nota. Fue creado para la serie Out of the Inkwell como 
compañero de Koko el payaso. Fuente: 
http://www.darlingdimples.com/?p=7 
Figura 95 
El personaje Henry  
 
Nota. Personaje usado para el cortometraje “Carne de 
biblioteca” 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
223 
 
Luka. Después de tener a Henry se pensó en que 
fuera un video de pregunta y respuestas con esto nos 
referimos a que Henry pasará a ser un personaje que 
pregunte cada cosa de lo que se va hablar y que existiera 
otro con la idea de que él sea el que conteste y este 
mayormente explicando cada tema esto con la idea de 
hacerlo más dinámico. 
Entra otra vez la parte del diseño de este otro 
personaje en este caso nos basamos en otro personaje que 
en su tiempo era el que acompañaba a nimbo y este era 
“koko the clown”, en los tiempos en los que salía este 
bimbo había capítulos o presentaciones en donde salían 
los dos como amigos o uno ayudando a otro.  
Con esto en mente se pensó en buscar a otro 
personaje para animar que de igual forma fuera alto para 
hacer el contraste como adulto y niño, la primera idea era 
224 
 
que fuera otro animal, se pensó en que fuera el otro 
personaje que aparece en el corto con Henry, pero en ese 
corto sale un lobo que es un personaje malo por lo que 
podría dar otra idea o no quedaría tan bien.  
Se bocetaron distintos tipos de animales con varias 
formas o distintos personajes que pudieran ayudar como 
un tipo de autoridad para explicar los temas, se buscaba 
que fuera llamativos que a simple vista quisieras ver cómo 
funcionaban o lo que tenían que decir. 
Figura 96 
Ilustración de un viejo 
 
Nota. Se quería denotar sabiduría con la vestimenta y la barba  
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
225 
 
 
Figura 97 
Ilustración abeja con diferentes reacciones 
 
Nota. Se pensó en usar animales para ser más llamativo 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
Figura 98 
Ilustración de hombre con bigote 
 
Nota. Se pensó como figura paterna que le explica. 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
226 
 
Ya con varias ideas plasmadas pudimos ver que 
era más sencillo hacer otra cosa de las ilustraciones hechas 
para mis redes poder agarrar a un personaje darle una 
nueva idea e identidad para que con ello pudiera ser el 
nuevo tutor de Henry por así decirlo. 
Con eso en mente y con el visto por las 
interacciones, se encontró al personaje perfecto, de los 
varios que se hicieron hubo una calavera que lanzaba una 
calabaza, era una animación muy simple sólo con motivo 
de Halloween pero que a mucha gente gusto con lo que 
tenía lo principal que era que a la gente le gustaba ya sea 
por ser una calavera o por la animación, pero eso me dio 
más ideas. 
227 
 
La forma en la que se hacen las animaciones es de 
manera tradicional o cuadros cuadro lo que sería muy 
complicado, pero de igual forma se puede trabajar en 
programas en donde ya se mueve de forma automática 
como lo es after effects y al ser un gato y una calavera 
daba mucho juego de lo que se podía hacer, era un el dúo 
que buscaba generando varias ideas y que al explicar 
puede tener mucho movimiento. 
Figura 99 
Lineart y con color de la calavera 
 
Nota. Se eligió a este personaje porque hacia un buen contraste 
con Henry 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
228 
 
4.1.2 Model sheet 
Ya teniendo los personajes principales la idea es 
tener su modelo sheet que es al personaje en todas las 
vistas para saber cómo poder dibujar de manera más 
sencilla y tener las dimensiones que cada uno abarca su 
altura y la forma en la que se van a ir acomodando, donde 
terminan las manos y en el caso de la calavera ponerle un 
nombre y terminar de dibujarlo porque solo se tenía la 
parte superior y necesitaba saber si lo vestiría con algo o 
se quedaría en los huesos. 
229 
 
 
Figura 100 
Model sheet de Henry  
 
Nota. Se dibujaron más expresiones para observar cómo se vería 
en diferentes situaciones. Autoría propia Armando Sanchez Rios 
 
230 
 
 
Figura 101 
Model sheet de Luka 
 
Nota. Se dibujo de cuerpo completo y diferentes poses. Autoría 
propia Armando Sanchez Rios 
 
231 
 
Teniendo el model sheet completo es hora de hacer 
un lineart para poder animarlo, en este caso si se hace en 
un programa por computadora, con el simple hecho de 
hacerlo una vez y por partes o en este caso por capas es 
mucho más fácil hacerlo y, verlo a distintos programas de 
animación, para este proyecto se usará como habíamos 
dicho, adobe after effects. 
Figura 102 
Lineart de Henry y Luka. 
 
Nota. Se dibujo ya en una pose para la presentación en caso de 
necesitarse. 
Autoría propia Armando Sanchez Rios 
232 
 
Para las diferentes expresiones como lo son 
alegría, tristeza o asombro, basta con tener los bocetos de 
ellas y pasarlas después en digital, pero esto ya con la idea 
de lo que se va animar o como se conoce normalmente 
como la preproducción donde se da la idea de que planos 
vamos a utilizar y en el caso de esta animación el 
storyboard de cada cosa que se va a explicar, así como lo 
que entrará en voz en off para los ejemplos más prácticos. 
4.1.3 Elementos 
La idea principal del proyecto es la idea de hacer 
una serie de videos que hablen sobre los temas de la 
animación, sin embargo, todo este proyecto queda en una 
parte de propuesta ya que diversos factores para generar 
un estudio necesita de tiempo y de diversos grupos de 
estudio, por eso lo que buscamos en este proyecto de tesis 
es tener la parte de propuesta lo más aterrizado, con ello 
debemos tener toda la parte de preproducción afinada para 
233 
 
saber el camino que se debe tomar en caso de que se 
busque seguir con esta investigación. 
Antes de iniciar con los capítulos y la estructura 
que van a tener se debe de enfocar distintos elementos que 
acompañarán a la serie de videos como lo es una paleta de 
colores agradable, una tipografía y un estilo de ilustración 
adecuado para poder mostrar ejemplos además de 
elementos extras que acompañan los ejemplos e 
imágenes. 
4.1.4 Tipografía 
Lo primero que definimos es la tipografía 
buscamos que fuera un estilo animado no muy recto ya 
que es los videos no son tan serios buscan tener ligereza 
en los temas para que lo puedan entender y comprender 
mejor, pero al mismo tiempo con líneas gruesas para 
mejorar la lectura. 
234 
 
La tipografía que se escogió se llama insaniburger 
tiene las características que necesitamos y que combina 
correctamente con los se busca, esta tipografía es libre de 
uso además que tiene dos modos pero que se usara solo 
uno para los textos o palabras claves.  
Figura 103 
Caracteres de la tipografía insaniburger  
 
Nota. Esta tipografía funciona bien porque tiene dos estilos y 
puede combinarse. 
Fuente: https://www.dafont.com/es/insaniburger.font 
235 
 
Como ayuda y mejor soporte del texto se buscó 
una segunda tipografía para títulos más dinámicos y que 
de igual pueden ser más animados, como referencia se 
buscó una tipografía que se asemejara a los carteles 
promocionales de Mickey mouse ya que su estilo y 
animación es en la que está enfocada todo el proyecto. 
Figura 104 
Cartel de Mickey mouse 
 
Nota. Para referencia del título, estudio de forma y posición. 
Fuente: https://lc.cx/n2hxc5 
236 
 
Se encontró una tipografía adecuada que, aunque 
debe tener un nuevo acomodo cuenta con varios 
caracteres lo que resulta más fácil la animación y sombras 
que se buscaba, esta tipografía se llama Lemon Milk, y 
cuenta con distintos tipos de formas desde la regular hasta 
bold italic lo que da mayor juego en los textos pero que 
principalmente se usará para textos.  
Figura 105 
Caracteres de la tipografía Lemon Milk. 
 
Nota. La tipografía en bold es la más parecida a lo que se 
buscaba de los carteles antiguos. Fuente: 
https://www.dafont.com/es/lemon-milk.font 
237 
 
Los demás elementos solo se narran por nuestros 
personajes así que el uso del texto se reducirá ayudando 
al que visualice el video a entenderlo mejor ya que 
evitaremos la lectura cansada y será mayormente 
acompañado de imágenes. 
4.1.5 Paleta de colores 
El siguiente elemento por buscar era la paleta de 
colores en este caso lo que se necesitaba es tener colores 
cálidos no tan pasteles pero que funcionen para que las 
mismas ilustraciones que se hacen tengan ese juego de 
colores y que todo pueda tener la misma línea. 
Los principales que se buscaron fueron el blanco y 
el negro ya que de ellos están hecho Henry y Luka 
nuestros personajes principales de ahí se jugó con colores 
rojos por ideas para el primer video y de ahí tener las 
diferentes variaciones de azules, amarrillos, verdes, etc. 
238 
 
pero que se vieran bien sin ser muy pastel ya que eso 
pierde fuerza. 
Por último, lo que se definió para trabajarlo 
posteriormente es el estilo de dibujo, así como de la 
animación esto dará el identificador a los videos y 
separará a los demás que pueden existir en la red, el estilo 
que se maneja en el desarrollo de personajes es el rubber 
hose que es hecho mayormente en curvas, la mayoría de 
Figura 106 
Paleta de colores 
 
Nota. Paleta de colores elegida para el uso de los videos. Fuente: 
https://coolors.co 
239 
 
los ejemplos que se realicen en los dibujos tendrán ese 
estilo en sus extremidades y acciones. 
Los demás personajes que se dibujen para 
ejemplificar distintos elementos podrán ser desde objetos 
comunes como un lápiz, una botella, también serán 
animales que se muevan y para entender la idea de los 
motion graphics desde figuras geométricas o letras, esto 
para poder abarcar todos los elementos y que los ejemplos 
puedan entenderse de una mejor manera. 
La forma en la que se animaran por cuestión de 
tiempo y recursos será en 2D en after effects por lo que 
las texturas de estos elementos serán reducidas, pero se 
buscará que los colores que se han escogido en la paleta 
de colores sean suficiente para tener un contraste y se 
logre entender bien. 
240 
 
Ya teniendo los elementos que llevaran de forma 
general, debemos ver la otra parte de la preproducción y 
en este espacio veremos lo que se verá en cada episodio 
de la serie de videos, con una mejor estructura y 
calculando el tiempo para no ser tan pesado con el 
contenido que tenga cada uno. 
4.2 Episodio 1 
Para el primer video como ya se mencionó se 
hablará de la historia de la animación de cada avance que 
ha tenido ayudando un poco la idea de los tipos de 
animación y las formas en las que han evolucionado. 
En los primeros minutos del video saldrán 
nuestros personajes, presentándose y explicando que se 
verá en los distintos videos, primero explicando las 
definiciones de lo que se verá primero esto de manera más 
teórica para que puedan escribir y entenderlo, también las 
241 
 
funciones del mensaje, esto se lo explicara Luka a Henry, 
como introducción del tema para que pueda comprender 
el por qué y cómo fue evolucionando la animación 
después de eso podrán parar a la historia al ser lo primero 
tendrá la recapitulación, se presentará cada caso o avance 
en una sala de cine. 
Con eso logramos que sea más inmersivo ya que 
al estar contando una historia se mira más como una 
película de la historia de la animación, además que tendrá 
la posibilidad de detenerse para que los personajes puedan 
interactuar entre ellos, por ejemplo, Henry preguntando 
distintas cosas y Luka respondiendo.  
Un poco como la película del rey león 3 en donde 
los personajes de timón y pumba ven su propia historia y 
hacen distintas pausas para comentar. no solo son 
242 
 
preguntas sino también comentarios para no perder la 
atención de los espectadores. 
4.3 Episodio 2 
Para el segundo episodio ya teniendo explicado la 
animación desde un aspecto histórico, así como también 
las definiciones de lo que es la comunicación y su mensaje 
debemos mostrar que es lo que rige a la animación. 
Con esto nos referimos a los principios de la 
animación, de esto estará cubierto todo el segundo 
capítulo, ya que no se puede hacer la animación sin tener 
en cuenta que reglas se deben seguir, así como que reglas 
debes o puedes romper para crear algo nuevo. 
Para este este episodio nos enfocaremos en los 
motion graphics, se hablarán de ellos, así como también 
se usarán como ejemplos en cada uno de los principios, 
243 
 
conocemos que son los motion graphics en forma de 
definición y con eso servirá para los ejemplos.  
Se usarán logos, textos o incluso títulos de 
películas para explicar cada uno de los principios en la 
animación, para mejorar su comprensión. 
En este mismo episodio se hablarán de las bases 
de los motion graphics sus ideas principales para generar 
bien los gráficos o por lo menos para conocer qué es lo 
que lo que se maneja principalmente.  
4.4 Episodio 3 
Para este tercer video o episodio en la serie de 
videos, se hablará del capítulo 3 pero principalmente 
sobre el proceso solo del 2D ya que al tener toda la 
información del tercer capítulo puede ser demasiada y 
tendría poca recepción del público además de la 
saturación de información. 
244 
 
Se hablará de cada paso que se necesita para una 
caricatura o comercial en 2D con cada cambio y proceso 
que debe tener. 
Henry y Luka pasarán por cada uno de estos 
procesos se explicará, pero de igual forma habrá 
momentos donde solo se tenga la voz en off de Luka que 
será el que explicara para qué sirve cada cosa que puede 
aparecer en pantalla. 
Se enfocará en él como se hace para televisión y 
con ejemplos prácticos de comerciales o anuncios en 
YouTube, igual se pondrán ejemplos de ello para que la 
información pueda ser más clara.   
Para este episodio se buscará que tenga un tiempo 
estimado de 10 minutos, para que pueda contener la 
mayor cantidad sin ser saturado con datos o información 
245 
 
innecesaria y que quede más fresca en la persona que lo 
vea. 
4.5 Episodio 4 
Este cuarto capítulo tendrá la misma característica 
del anterior, pero este se enfocará hacia la animación en 
3D, buscaremos que tenga la misma estructura, aunque en 
este capítulo se reducirá el tiempo ya que algunos pasos 
que requiere este tipo de animación se complementan con 
el anterior del 2d. 
También se buscará usar comerciales que tengan 
esta estética del 3D y se analizará paso a paso cómo 
lograron hacerse para poder crearse.  
Este tendrá una duración de 7 a 8 minutos, por los 
pasos similares del 2D y por los varios ejemplos que se 
usarán para facilitar la información. 
246 
 
4.6 Episodio 5 
En este quinto episodio se hablará y se 
profundizará en el motion graphics ya que este cuenta con 
la combinación de la animación en 2D y 3D, se mostrará 
que son los motion graphics para qué sirven y cómo son 
utilizados mayormente, con ejemplos de series televisivas 
y ejemplos de años más actuales. 
Explicaremos la diferencia entre animación y 
motion graphics ya que pueden tener similitudes, pero su 
principal diferencia es cambiar lo que pretende transmitir 
y de ese modo podremos enfocarnos en los principales 
usos de los motion graphics, con el fin de que los que lo 
vean que principalmente buscamos son los alumnos, 
puedan ver el nicho de oportunidades que pueden tener al 
trabajar en este ámbito. 
247 
 
Poder enseñarles con Luka y Henry cómo 
funcionan en el mundo corporativo para que sirve y como 
puede ser utilizado así como la creatividad que se debe 
tener para trabajar ahí, también se mostrará el motion 
graphics en documental o video documental que son los 
que te enseñan algo, sabemos que la mayoría de los que 
buscan información pueden entenderla de mejor manera 
de una forma visual y con eso ver los temas que no se han 
hablado para poder iniciar con ello y por último se verá el 
motion graphics de forma artística esto ya para la 
experimentación y la forma en la que se puede entender 
como la idea de expresar algo.  
4.7 Episodio 6 
Con este penúltimo capítulo, mostraremos un poco 
a profundidad de otros tipos de animación esto con el fin 
de entender que otros medios animados se pueden usar, 
248 
 
también como funcionan y cómo pueden ayudar a los 
motion graphics. 
Los tipos de animación que se verán son de los 
más usados por la industria en primer lugar el stop motion 
que actualmente ha tenido un mayor alcance por nuevos 
largometrajes dando a conocer esta técnica con mejores 
efectos y uso de tecnologías, la siguiente será la 
animación abstracta está con el fin de tener mayor 
aceptación en proyectos futuros que pueden tener una 
mayor creatividad con elementos que pueden dar 
significados distintos dependiendo de las narrativas que 
este pueda tener, por último hablaremos de la Rotoscopia, 
una técnica para el uso de trabajos con personas pero que 
pueda variar de los videos y cortometrajes convencionales 
dando un mayor peso a la narrativa.  
249 
 
Sabemos que existen múltiples técnicas para hacer 
la animación, pero se buscó que para este capítulo sea más 
de transición a lo último, que pueda ser un respiro de 
demasiada información como lo hemos llenado en 
capítulos anteriores. este solo funcionara como 
herramientas de más técnicas que pueden hacerse. 
Se mencionan las demás técnicas con algunos 
ejemplos visuales pero que no tengan tanto peso como las 
técnicas mencionadas anteriormente 
4.8 Episodio 7 
Este sería el último capítulo, en este nos 
enfocaremos en donde se puede ver todo aquello que 
hemos estudiado en los anteriores, si bien, en los videos 
pasados se usarán caricaturas y películas como ejemplos 
sólo serán pocos, ya que para profundizar en cómo se usan 
se usará este último video. 
250 
 
Como primer medio se verán las películas ya que 
en ellas en donde más conocemos o vemos animación por 
películas  orientadas a un público infantil  y también el 
uso  los motion graphics, para los demás tipos o géneros 
de películas que se usan frecuentemente  como los títulos 
o los mismos créditos de esas películas, con esta parte de 
los intros se presentará un amplio catálogo de películas 
que han usado los motion graphics en sus títulos de los 
más complejos o incluso los más sencillos pero que de 
igual forma deben tener algo distintivo y que el que ve el 
video pueda identificarlo con facilidad, como lo es una 
escala o rotación.   
Los siguiente son las caricaturas o series animada, 
en donde más se una la animación como se vio en 
capítulos pasados, pero se hablará de la animación para 
todo público y la que conocen como animación para 
251 
 
adultos, se explicará los distintos temas que se hablan en 
ellas y cómo se llegan hacer los programas que en su 
mayoría ocupan, pero sin profundizar en cómo funcionan 
esos programas solo como medio de lo que pueden 
empezar a investigar los estudiantes para experimentar 
con ellos. 
Después se verán las series de TV en ellas igual se 
mencionará lo de las películas como los intros y créditos, 
pero se buscará también series donde lo usen como 
elementos de sus series 
Todo esto será para ver el uso de animación y de 
motion graphics, pero para centrarnos en lo último 
hablaremos de los que se hace o como se usa en el mundo 
de la televisión ya que en este es donde principalmente se 
busca a diseñadores y que es lo que queremos hacer con 
los alumnos de las carreras de diseño y comunicación 
252 
 
visual, el tener una vista y objetivo de cómo hacerse de 
ejemplos y referencias para trabajar con ello.  
De esa manera hablaremos de comerciales como 
se usan y duraciones, los elementos que acompañan en los 
programas rutinarios como de la misma televisora como 
lo son las cortinillas, los cintillos, los identificadores de 
los programas, y las entradas. 
Con esto habremos acabado todos los videos, 
habremos visto desde un inicio lo que es la animación sus 
pasos en la historia lo que la define como buena 
animación sus procesos para existir los medios por lo que 
se hacen y cómo es aplicado en el día a día, con esto se 
espera que los estudiantes, maestros y cualquiera que se 
tope con estos videos podrán verlos y entiende  más a 
fondo lo que es la animación y los motion graphics esto 
con la compañía de Luka y Henry que serán los 
253 
 
protagonistas en contar esas historia y que puedan ayudar 
a tener una mejor concentración. 
Posteriormente entra el área de sonido en ella se 
harán los doblajes de cada personaje como también los 
efectos de sonido de diferentes objetos y la música que 
acompañara todo el tráiler ya sea épica o de aventura para 
emocionar al alumno que lo vea. Con esto se tiene el final 
ya la edición de cada fragmento para tenerlo en una 
composición completa para exportarlo y tenerlo listo. 
En conclusión, todo este último proceso es para 
tener una base sólida de lo que se planea hacer y que con 
ello pueda tener una vista general del proyecto, conocer 
que puntos pueden servir y cuáles son los que a la larga 
pueden mejorarse al momento de una experimentación, 
pero de igual forma se pueda dar una idea de formas 
elementos animados velocidades y colores 
254 
 
Con este proyecto se puede saber que cada 
capítulos e investigación pueden servir a los alumnos y 
profesores a una herramienta de enseñanza algo que 
pueden consultar para conocer la animación ya que en 
varias escuelas la animación no se enseña de la mejor 
manera, los alumnos deben buscar una forma de ser 
autodidactas, esta serie de videos busca ser esa forma de 
entender y de conocer las bases teóricas de la animación 
para que cada uno pueda practicarlo y saber que se puede 
animar sin tener bloqueos o ideas erróneas de lo que es la 
animación y más importante lo que es animar.  
 
 
255 
 
Conclusiones 
Como conclusión puedo mencionar que con este 
proyecto de investigación en primer lugar logre cumplir 
los objetivos que se buscaban, ya que como proyecto final 
se logró desarrollar una herramienta que puede ayudar a 
maestros y a los mismos alumnos para entender la 
animación y ver los usos y funciones que se le puede dar. 
De forma profesional el desarrollar este proyecto 
me ayudo para yo tener mayor conocimiento sobre un 
tema del cual ya sabía, pero en que pude profundizar en 
sus temas y el entenderlos para poder aplicarlos en el 
ámbito laboral, con esto me doy cuenta de que es un tema 
funcional y que puede ser de gran ayuda para el público 
para el que va dirigido. 
El saber cómo se construye la animación y en este 
caso los motion graphics ayuda para desarrollarte de 
256 
 
mejor manera en el ámbito laboral ya que cuantas con 
mayor experiencia. 
Para este proyecto de investigación se pensaron en 
muchos huecos que se podrían cubrir para entenderlo 
mejor aun así, hubo ideas que no llegaron a formar parte 
del temario, sin embargo, son igual de importantes para 
un mayor entendimiento del tema y que en muchas 
ocasiones son dudas que la mayoría de alumnos se 
preguntan, estos temas son los que en un futuro se pueden 
investigas para crecer el tema, como lo es el uso de 
programas ya que actualmente existen diferentes 
programas y que año con año evolucionan y se actualizan 
pero que si se enfoca en lo que usa la industria puede ser 
de gran ayuda. 
Otro de los puntos que se quiso estudiar es la parte 
del cambio de la materia e incluso del plan de estudio, 
257 
 
pero esta parte es una de las más complicadas ya que se 
necesita de pedagogos que son los encargados de esto, 
pero que igual el que puedan ver como poder ampliar los 
temas del plan de estudio sería un cambio importante, para 
alumnos y claro para maestros que son los que tienen que 
dar estos temas.  
Estas son solo ideas que como mencione pueden hacer que 
el tema crezca y tenga un mejor aporte para generaciones 
futuras, ya que este proyecto es de y para los alumnos que 
quieren crear y que les cuesta encontrar información ya 
sea por falta de recursos o por la poca cantidad que hay en 
nuestro idioma. 
 
258 
 
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DESCUBRE Que es el MOTION GRAPHICS ✅ 
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